Арт печаль: картина Печаль | CodeKY

Арт-акция «Утопи свои печали» — Марина Звягинцева

Тема эмоциональных переживаний ярким лейтмотивом звучит в творчестве Марины Звягинцевой. И последние несколько лет, когда мир буквально живет в состоянии «Пристегните ремни, мы вошли в зону турбулентности», чувства людей еще сильнее притягивают взгляд художника. В том числе и потому, что сама Марина — эмпат, тонко чувствующий и работающий с эмоциями через свои картины и проекты.

7 июля 2022 г. на пирсе «Лодочная станция» Нагатинского затона прошла арт-акция «Утопи свои печали», ставшая продолжением проекта «Упаковка эмоций». Каждый желающий смог освободиться от негативных переживаний, выбрав подходящий своей эмоции камень и бросив его в установленную на пирсе открытую дверь.

Как возникла идея арт-акции?

Весной 2020 г., в период самоизоляции, был рожден проект «Упаковка эмоций» — как логическое развитие мультимедийного проекта «Запертые чувства» (зима 2019 — весна 2020 г. ).

Летом 2022 г. мы уже гуляли без масок, но до эмоциональной стабильности было далеко. Страх, неизвестность, тревога, апатия, агрессия — эмоции, продолжавшие камнями лежать на сердце. Что можно было сделать, чтобы освободиться от холодного гнета? Избавиться от этих камней, бросив с глухим плеском в воду! Такая понятная и сильная метафора легла в основу идеи арт-акции «Утопи свои печали».

Мы живем в турбулентное время, и нам трудно приспособиться, понять, что мы чувствуем. Есть такой термин «алекситимия», когда человек не может вербализировать свои эмоции. Мы что-то ощущаем, но не знаем точно — печаль это, тревога или фрустрация. И мне показалось, что людям надо помочь: как художник я могу визуализировать чувства. При этом негативные эмоции обычно ассоциируются с некой тяжестью — как говорят, камень на душе. И я решила покрасить камни с помощью авторской техники биотипии — так, чтобы одни символизировали депрессию, другие — тревогу, третьи — печаль. И если выкинуть их, можно избавиться от тяжести на душе.

В чем заключается художественная концепция?

Мы четко знаем, как называются вещи или предметы. За эмоциями также закреплены названия, но здесь все не так однозначно. Если яблоко — это яблоко для 10-ти человек, то похожую по тональности и градусу эмоцию они вряд ли назовут одинаково. Кто-то почувствует страх, кто-то — неуверенность, для третьего же эти полутона сольются в чувство одиночества. 

Психотерапия помогает разобраться с тем, что внутри, но искусство обладает не меньшим терапевтическим эффектом:

Чтобы помочь человеку «оттолкнуться» от эмоционального «дна», психологи просят определить свои чувства — назвать их. Я же предлагаю не только вербализировать эмоции, но и визуализировать — в конкретной форме и цвете.

Действительно, если попробовать представить свои переживания, наполнить их формой и цветом, то разобраться в себе и освободиться становится проще. Если же начать говорить со своей эмоцией и даже «взять с нее слово» не возвращаться, то можно ожидать двойной эффект.

Как удалось реализовать идею?

Арт-акция началась с перформанса: актеры в черном — Иван Горячев и Юнона Захарьева (уже участвовали в паблик-арт проекте «Притяжение») — показали небольшой спектакль об отношениях. О том, как тяжело, когда близкий человек оказывается во власти разрушительных чувств, отвергает помощь, и как важно не сдаваться и пытаться ему помочь. В финале актеры открыли портал — установленную на пирсе дверь, — и первыми бросили через нее камень.

Затем их примеру пригласили последовать присутствующих гостей. Прощание с тяжелым грузом на душе состояло из нескольких этапов:

1. Почувствовать, увидеть и выбрать

Негативные эмоции приняли форму 300 камней (как символ тяжести на душе), которые Марина разрисовала в авторской технике биотипии и сложила в специальные контейнеры на берегу. Камни с разноцветными разводами, формой и оттенками уникальны — как и чувства людей. Но все же цвет задавал определенное настроение эмоции: красный — ярость, гнев, раздражение; синий — печаль, тоска, меланхолия; фиолетовый — депрессия, отчаяние и одиночество. Невзрачные неокрашенные символизировали скуку, фрустрацию и апатию.

Так как природа в творчестве художника выступает неизменным соавтором, это по умолчанию подразумевает бережное к ней отношение. Для арт-объектов были использованы безопасные краски, предназначенные для керамики, а прощаться с тяжелыми эмоциями Марина призвала аккуратно, чтобы сильным ударом камней о воду не испугать рыбу в водоеме. 

2. Подписать соглашение о расторжении «отношений» с эмоцией

Перед тем, как проститься с чувствами, человеку предлагалось подписать односторонний договор: «Считаю, что дальнейшая совместная жизнь и отношения невозможны. Мной принято решение об одностороннем отказе от совместно нажитого имущества, включающего в себя боль и горечь».

Если негативная эмоция однажды вернется к человеку, он может сказать: «Нет, между нами все кончено, подписан договор». Для меня как для художника — это арт-акция, а для зрителя скорее — арт-перформанс, потому что он сам становится его участником.

3. Пойти на пирс, бросить камень в открытую дверь и «утопить свои печали» в воде

Вода для Марины Звягинцевой «сакральный медиум», элемент биотипии (живопись на воде) и обязательный участник перформанса. Вода движется, поглощает и смывает негатив, успокаивает и утешает. 

На пирсе установили портал — дверь в бесконечность, в которую и предлагалось гостям акции бросить свои камни.

4. Почувствовать, пережив эмоцию еще раз

Кто-то делился переживаниями, кто-то прожил встречу с эмоциями молча, оставив этот диалог внутри себя.  

Но пожалуй, за всех присутствующих высказалась сама стихия — в разгар акции начался ураган, пошел сильный град и ливень. Небо взрывали молнии, по всей Москве и в Подмосковье ветер валил деревья. Кажется, Нагатинский затон оказался в самом эпицентре буйства стихии.

Паблик-арт как биотипия — ты заливаешь краску в воду и никогда не знаешь, каков будет результат. В нем есть стихийность — как в природе. И мы сейчас ее испытали на себе. Зрители почувствовали, что природа им ответила. Люди выкинули свой негатив, а природа словно сказала: «Окей, я все это смою». Так что ураган стал частью концепции.

Так, природа поддержала художественный перформанс «Утопи свои печали», ответив уже своим »перформансом», пусть и воинственным.

Проект в СМИ

Печаль будет длиться вечно: ко дню рождения Винсента Ван Гога

Музей Винсента Ван Гога | Выставка открыта до 12 июня

30 марта 1853 года в голландской деревне Гроот-Зюндерт в семье протестантского священника Теодора Ван Гога родился мальчик, которого назвали Винсент. Семейство было многодетное и почтенное, несмотря на то, что по воспоминаниям Винсента Ван Гога его детство было «мрачным, холодным и пустым…», в нем была возможность заниматься рисованием. Несмотря на ярко выраженные способности, художников Винсент стал сразу. Сначала, по семейной традиции, он поработал арт-дилером, затем был миссионером и пытался проповедовать среди самых уязвимых социальных групп населения, но разочаровался в церкви и в возрасте 27 лет решил посвятить себя живописи.

Отмечая 169 лет со дня рождения художника, журнал Точка ART вспоминает о местах, оказавших на творчество Винсента Ван Гога особенное влияние.

---

Дрент

Винсент Ван Гог «Коттедж с ветхим сараем и склонившейся женщиной», 1885 © Музей Винсента Ван Гога, Амстердам

Раннее творчество Ван Гога тесно связано с темой крестьянского быта. В 1883-1885 годах он создает серию картин, объединенную этой темой; все они изображают сельскую местность, коттеджи, крестьян, занимающихся возделыванием земли. Картины этой серии выполнены в темных «земляных» тонах, как бы подчеркивая тяжесть крестьянской жизни и создавая определенное настроение.

Париж

В 1886 году в жизни художника начинается Парижский период. Здесь Ван Гог встречается с Анри Тулуз-Лотреком, Камилем Писсарро, Полем Синьяком, знакомится с творчеством французских импрессионистов, впитывает их приемы, как будто заново познает цвет и свет. За два года, проведенные во французской столице, Ван Гог написал огромное количество работа в импрессионисткой манере, натюрмортов, портретов, серия «Башмаки» и, конечно, же городские пейзажи.

Винсент Ван Гог «Бульвар Клиши», 1887 © Музей Винсента Ван Гога, Амстердам

«Бульвар Клиши» — один из самых импрессионистических городских пейзажей Ван Гога. Быстрые, легкие мазки голубого и охристого оттенков, которыми художник изображает небо, передают зыбкость воздуха. Такими же быстрыми короткими мазками изображены дома и пешеходы. Сосредоточив все внимание на передаче игры света и воздуха, Ван Гог не акцентировался на объемах и детализации.

Арль

Покинув Париж, Ван Гог перебрался на юг Франции, в Арль. «Портрет почтальона Рулена» Ван Гога — очень известная картина. Это тот случай, когда портретируемый волей случая и художника стал знаменитым и его имя вошло в историю. С вангоговскими знакомыми это происходило часто, но и среди них арльский почтальон Жозеф Рулен заметно выделяется — с него художник написал шесть портретов и сделал три рисунка. Чаще Ван Гог писал только самого себя. С Руленами художник познакомился летом 1888 года, через несколько месяцев после приезда в Арль. Живописец был частым гостем в семье почтальона, он писал всех его домочадцев. Почтальон и его жена навещали художника в больнице, куда Ван Гог попал после припадка и ссоры с Гогеном. В письмах брату Тео Винсент называл Рулена «своим другом».

«Портрет почтальона Жозефа Рулена», 1888 © Музей изящных искусств, Бостон

Ван Гог не из тех мастеров, к произведениям которых принято применять исключительно фактологическое описание. Скорее наоборот, превосходство формальной стороны над содержательной, живописи над сюжетом, декоративности над психологизмом, как правило, активно поддерживалось исследователями творчества Ван Гога. Но бостонский «Портрет почтальона Рулена» не самый лучший пример для подобных экзерсисов. Даже по сравнению с написанными почти одновременно или несколько позже погрудными портретами Рулена бостонский вариант кажется тяжеловатым. Хотя утяжелен он именно тем, чего и хотел добиться художник, — личностными характеристиками портретируемого («бородач с грубым лицом Сократа», «заядлый республиканец»). Именно поэтому он очень знаменит и считается одним из самых оригинальных портретов Ван Гога, но именно поэтому поклонникам художника трудно увидеть в нем истинный шедевр«.

В описании арльского портера взята цитата из книги Киры Долининой «Искусство кройки и житья», прочитать еще одну главу из этой книги можно здесь.

Прованс

Ван Гогу было 36 лет, когда он увлекся рисованием оливковых рощ на юге Франции. Лечебница для душевнобольных, где он находился в то время, утопала в оливковых рощах. Корявые стволы и ветки старых деревьев отражали творческий и умственный путь Винсента. На природе, в окружении деревьев, он находил утешение и силы.

Винсент Ван Гог «Оливковая роща IV» © Музей Винсента Ван Гога, Амстердам

До 12 июня 2022 года в музее Ван Гога в Амстердаме проходит выставка «Ван Гог и оливковые рощи». Впервые в одном выставочном пространстве воссоединились более десятка картин Винсента Ван Гога, изображающих оливковые рощи. Почему оливковые деревья были для него такими особенными?

В пейзажах юга Франции оливковые деревья играют основополагающую роль, точно так же, как ива Полларда в Нидерландах. Ван Гог был очарован постоянно меняющейся светом и цветом деревьев, старался запечатлеть в своих картинах как можно выразительнее и мощнее. Эта выставка показывает, как выбор и экстраординарное мастерство художника привели к 15 вариациям на эту тему.

Овер-сюр-Уаз

За два месяца до самоубийства Винсент ван Гог переехал из Прованса в предместье Парижа — городок Овер-сюр-Уаз. «Это глубокая красота, — писал он своему брату Тео, — это настоящая глубинка, характерная и живописная». Для Ван Гога Овер-сюр-Уаз был привлекателен еще и тем, что здесь в свое время жил один из его самых любимых художников — Шарль-Франсуа Добиньи (1817-1878). Добиньи был выдающимся пейзажистом, и Ван Гог стремился написать сад, окружающий дом, где он когда-то жил.

Винсент ван Гог «Сад Добиньи», 1890 © Музей Винсента Ван Гога, Амстердам

Не имея подходящих материалов, он решил использовать то, что было под рукой — красное и белое чайное полотенце, возможно взятое Ван Гогом из кухни в Auberge Ravoux в гостевом доме, где он остановился.

О самых красивых садах в живописи выдающихся художников читайте здесь.

«Печаль будет длиться вечно»

Винсент Ван Гог «Пшеничное поле с воронами», 1890 © Музей Винсента Ван Гога, Амстердам

Одна из самых известных и наиболее значимых картин была написана художником за 19 дней до смерти. 27 июля 1890 года Ван Гог, выйдя на прогулку, выстрелил себе в грудь из револьвера Он целился в сердце, но пуля прошла ниже. Это позволило ему самостоятельно вернуться в дом, где он жил, и подняться наверх в свою комнату. Через сутки художник умер на руках у своего брата Тео. Считается, что последними словами Ван Гога были: «Печаль будет длиться вечно».

Теги: Винсент Ван Гог

Известные грустные картины — самые эмоциональные произведения искусства в мире

Среди широкого спектра человеческих эмоций печаль — это единственная эмоция, которая на сегодняшний день является основным элементом многих известных произведений искусства. Исследование меланхолического состояния и различных жизненных событий, вызывающих эту эмоцию, прекрасно запечатлено художниками всех возрастов. В этой статье будут рассмотрены некоторые из самых известных грустных картин в истории искусства и то, почему они оставили такое неизгладимое впечатление.

Содержание

• 1 10 самых известных грустных картин всех времен
  • 1.1 «Меланколия» (ок. 1785 г.) Луи-Жан-Франсуа Лагрене
  • 1.3 Печаль (1868 – 1869) Поля Сезанна
  • 1.4 Безутешное горе (1884) Ивана Крамского
  • 1.5 У ворот вечности (1890) Винсента Ван Гога
  • 2.6 Меланхолия Мунк
  • 1,7 Femme Assise (ок. 1902 — 1903) от Pablo Picasso
  • 1.8 Старый гитарист (1903 — 1904) от Пабло Пикассо
  • 1.9 Задаваемые вопросы
    • 2.1 Самая известная грустная картина в мире?
    • 2.2 Какое направление в искусстве сыграло важную роль в появлении грустных произведений искусства?
    • 2.3 Какие цвета используются для создания грустного искусства?

   

   

  10 самых известных грустных картин всех времен

  Грусть в искусстве была популярной темой для многих известных художников на протяжении всей истории искусства и, как известно, это эмоция, которую разделяли и представляли все великие художники от эпохи Возрождения до до 21 века.

  Изображение человеческих эмоций не всегда было на переднем крае искусства и стало популярным только после появления художественного движения экспрессионизма.

  За этим последовали многие художники как до, так и в промежутке между движением, которые предпочли отдать приоритет изображению повседневного гражданина. Ниже мы рассмотрим 10 самых известных грустных картин всех времен, которые обязательно тронут ваше сердце.

  Les Saltimbanques (Развлекатели) (1874) Гюстава Доре, пример известной грустной картины; Гюстав Доре, общественное достояние, через Wikimedia Commons0071

  Имя исполнителя	Луи-Жан-Франсуа Лагрене (1725 – 1805)
  Дата	с. 1785
  Средний	Холст, масло
  Размеры (см)	50 х 72
  Где находится	Музей Лувра, Париж, Франция

  Ла Меланколи — одно из самых эмоциональных произведений искусства 18 века, которое до сих пор имеет большое значение для темы меланхолии и печали в искусстве. Созданная в 1785 году Луи-Жаном-Франсуа Лагрене, La Mélancolie — это популярная печальная картина, представляющая модный стиль того времени — рококо.

  Этот стиль живописи предполагал изображение сцен с невероятной детализацией и был больше сосредоточен на декоре.

  La Mélancolie представляет собой простую, но яркую демонстрацию своего названия и изображает молодую женщину, одетую в мягкую, струящуюся одежду, с головой, положившей руку на руку, поддерживаемую бедром. Это классическое представление о меланхолии, знакомое всем, кто с ней сталкивается. Язык тела женщины говорит о многом и подчеркивается темным фоном картины и ее лазерным взглядом, когда она смотрит в то, что можно предположить, в ментальное забвение.

  La Mélancolie (ок. 1785 г.) Луи-Жан-Франсуа Лагрене; Луи-Жан-Франсуа Лагрене, общественное достояние, через Wikimedia Commons Питер Фенди (1796 – 1842) Дата 1838 Средний Холст, масло Размеры (см) 36,5 х 29,5 Где находится Венский музей, Вена, Австрия

  Петер Фенди был известным австрийским художником, связанным с периодом бидермейера в искусстве, который открыл доступ к изобразительному искусству более широкой публике, особенно представителям среднего класса.

  В этот период сцены повседневной жизни становились все более популярными для многих художников темой для включения в свою повестку дня и включали эмоциональные переживания печали и «более синие» чувства человеческого общества.

  Это произведение является одним из самых известных грустных произведений, так как оно послужило прорывом в жанровой живописи.

  Печальное послание изображает женщину с младенцем и ребенком, стоящим рядом с ней. Печаль, вызванная картиной, видна в упавшем письме на ее коленях и в солдате, который, кажется, возвращает ей несколько предметов. Можно заключить, что женщина только что получила худшее известие о смерти мужа, и ее печаль усиливается присутствием двух ее маленьких детей, оставшихся без отца.

  Грустное послание (1838 г.) Питера Фенди; Peter Fendi, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

   

  La Douleur (Sorrow) (1868–1869) by Paul Cézanne
  5 Имя художника

  Поль Сезанн (1839 – 1906)
  Дата	1868 – 1869
  Средний	Холст, масло
  Размеры (см)	160 х 120
  Где находится	Музей Орсе, Париж

  La Douleur , также известная как Печаль или Магдалина , представляет собой картину Поля Сезанна 19-го века, на которой изображена религиозная фигура Марии Магдалины из Нового Завета Библии. Созданный между 1868 и 1869 годами, La Douleur с тех пор стал одним из самых известных изображений печали в искусстве благодаря изображению Марии Магдалины вскоре после известия о распятии Иисуса Христа. Можно соприкоснуться с горем, связанным с потерей близкого человека, особенно с надвигающейся новостью о верной смерти, что делает эту картину одним из самых эмоциональных произведений искусства на сегодняшний день.

  Сезанн часто рисовал предметы на религиозные темы и был ключевой фигурой импрессионистского движения 19-го века.

  La Douleur (Печаль) (1868-1869) Поля Сезанна; Поль Сезанн, общественное достояние, через Викисклад Иван Николаевич Крамской (1837 – 1887) Дата 1884 Средний Холст, масло Размеры (см) 228 х 141 Где находится Третьяковская галерея, Москва

  Безутешное горе — картина Ивана Николаевича Крамского, одного из ведущих русских живописцев и искусствоведов эпохи реализма, написанная маслом в 1884 году. Крамской также получил свою долю критики за то, что он был одним из самых противоречивых художников, и даже подвергся критике за принятие гуманистических идеалов для изображения религиозных предметов и фигур со сложными психологическими и моральными нарративами.

  Картина отражает горе, которое Крамской испытал на себе из-за потери двух своих маленьких детей в течение четырех лет. Окруженный горем, Крамской запечатлел свой опыт, нарисовав свою жену в качестве субъекта картины, с платком, прижатым к лицу, когда она скорбит. Ее глаза кажутся измученными и темными, намекая на характер беспокойной родительницы, которая только что потеряла своих детей и все еще не верит.

  Образы этой грустной картины по-настоящему трогают до глубины души тех, кто пережил такую ​​утрату.

  Безутешное горе (1884) Ивана Крамского; Иван Крамской, общественное достояние, через Wikimedia Commons Винсент Виллем Ван Гог (1853 – 1890) Дата 1890 Средний Холст, масло Размеры (см) 80 х 64 Где находится Музей Креллера-Мюллера, Оттерло, Нидерланды

  Винсент Ван Гог был одним из немногих художников 19-го века, способных воплотить грусть и меланхолию в эмоциональные произведения искусства, которые проникают в глубину таких эмоций, понятных многим сегодня. У ворот вечности — одна из самых эмоциональных картин Ван Гога, которая демонстрирует глубокое понимание эмоций через физическую реакцию субъекта. На картине изображен старик, сидящий в кресле с руками на голове и плачущий при мысли о том, что его жизнь подходит к концу.

  Картина является точным изображением эмоциональной борьбы с тяжелой новостью о смерти и отражает физическое выражение горя.

  У ворот вечности (1890) Винсента Ван Гога; Винсент Ван Гог, общественное достояние, через Wikimedia Commons Эдвард Мунк (1863–1919 гг.)44) Дата с. 1892 Средний Холст, масло Размеры (см) 96 х 64 Где находится Частная коллекция

  Меланхолия служит воплощением самого названия, иллюстрируемого изображением женщины, которая кажется пораженной депрессией. Картина была впервые подготовлена ​​пастелью в 189 г.1 и с тех пор несколько раз воссоздавался.

  Эдвард Мунк был также невероятно известным художником экспрессионистского движения, который умел направлять в картины сильные эмоции, такие как гнев, горе, печаль и тревога.

  Картины Мунка не только вызывают сами эмоции, но и стимулируют симпатическую реакцию. В сочетании с его фирменным волнистым стилем мазка и применением цвета Мунк точно знал, как передать такую ​​сложную эмоцию через пространство, язык тела и цвет.

  Меланхолия (ок. 1892 г.) Эдварда Мунка; Эдвард Мунк, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Картина также называлась Джаппе на пляже , так как субъект был идентифицирован как близкий друг Мунка Джаппе Нильсен, который испытывал несчастливые последствия романтической связи и стал героем Мунковское исследование человека-меланхолика.

  Еще одним интересным фактом о Мунке было то, что большую часть своего вдохновения в искусстве он получил от польского писателя Станислава Пшибышевского во время учебы в Польше.

  На самом деле именно книга Пшибышевского « Месса по умершим (год неизвестен)» привлекла художника, и многие работы Мунка отражают это. Пшибышевский также был моделью для Мунка в период с 1893 по 1898 год. Пабло Руис Пикассо (1881 – 1973) Дата 1902 – 1903 Средний Холст, масло Размеры (см) 99 х 68,5 Где находится Детройтский художественный музей, Мичиган

  Испанский художник Пабло Пикассо — один из самых известных художников 20-го века, создавший знаменитые печальные произведения искусства между 1902 и 1903 годами. Его уникальный подход к творчеству — это то, что отличало его работы от многих художников, которые были до него, и вскоре он был признан лидером в Кубизм .

  Femme Assise — одна из таких картин, которая является не только одной из самых известных грустных картин в мире, но и отражением внутреннего мира художника и борьбы с депрессией, травмой и горем. На картине изображена меланхоличная женщина, которая, кажется, падает вниз и побежденно опирается на руку. Она также кажется эмоционально отстраненной и отстраненной, когда смотрит на стену камеры.

  Пикассо использует глубокие синие оттенки, чтобы вызвать на холсте чувство меланхолии и изоляции.

  Находясь в Барселоне примерно в 1902 году, Пикассо набросал множество изображений проституток из женской тюрьмы в Сен-Лазаре, и эти сцены преследовали его из-за самоубийства близкого друга. Этот период живописи был назван голубым периодом Пикассо, поскольку он включал в свои работы различные богатые оттенки синего, которые были важны для символистского движения того времени. Считается, что меланхоличная женщина на картине была любовницей покойного друга Пикассо и кем-то, кто также привлекал Пикассо.

  Синий цвет обычно ассоциировался со злом, ночью и смертью, так что это был подходящий выбор для мрачного настроения. Двойной пласт символизма в картине указывает на то, что хозяйка становится пленницей своего горя.

   

  Старый гитарист (1903–1904) Пабло Пикассо

  Имя исполнителя	Пабло Руис Пикассо (1881 – 1973)
  Дата	1903 – 1904
  Средний	Холст, масло
  Размеры (см)	122,9 × 82,6
  Где находится	Художественный институт Чикаго, Чикаго, Иллинойс

  «Старый гитарист» был написан во время «голубого» периода Пикассо и является одной из самых знаковых печальных картин всех времен. Картина вызывает темы страданий, страданий и меланхолии, которые еще больше подчеркиваются использованием Пикассо синего цвета и фигурой, играющей на гитаре в побежденной манере.

  Фигура считается слепым музыкантом и отражает борьбу Пикассо с сочувствием к страданиям угнетенных.

  Пикассо боролся с бедностью и сталкивался с финансовыми неудачами на протяжении 1902 года. После смерти его близкого друга Карлоса Касагемы этот период только усилил грусть художника и, таким образом, привел к монохромным голубым картинам, как в «Пикассо». Синий период».

   

  Раненый олень (1946) Фриды Кало

  Имя художника	Магдалена Кармен Фрида Кало и Кальдерон (1907 – 1954)
  Дата	1946
  Средний	Холст, масло
  Размеры (см)	30 х 22
  Где находится	Хьюстон, Техас (принадлежит Кэролин Фарб)

  Раненый олень несет одну из самых грустных картин, связанных с личной жизнью известной мексиканской художницы Фриды Кало. Созданная в 1946 году, Кало рассказывает о своей борьбе и печали, которые сопровождали ее бурные отношения с мужем Диего Риверой .

  Постоянное состояние нестабильности в ее отношениях с Риверой заставило ее испытать как взлеты, так и падения токсичных романтических отношений, и «Раненый олень» — одна из таких картин, которая отражает это.

  Считалось, что печаль и боль, вдохновившие эту картину, были вызваны неверностью в ее отношениях с Риверой, а также физическими страданиями, с которыми ей пришлось жить из-за ее раннего участия в аварии, оставившей ее в хроническом состоянии. боль. По словам Кало в интервью 1951 года, она пострадала от «двух серьезных несчастных случаев; один был трамваем, который сбил ее, а другой был Диего».

  Раненый олень (1946) Фриды Кало; Фрида Кало, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

   

  Мир Кристины (1948) Эндрю Уайет Эндрю Уайет (1917 – 2009) Дата 1948 Средний Холст, масло Размеры (см) 82 х 121 Где находится Музей современного искусства, Нью-Йорк

  Мир Кристины может и не напоминать традиционные изображения печали, которые можно увидеть на грустных картинах выше, но ее контекст и сюжет — это то, что делает отсутствие в картине традиционного изображения грустным само по себе.

  Картина была создана Эндрю Уайетом, одним из самых глубоких художников 20-го века, который придавал большое значение изображению повседневной жизни через призму американского народа.

  Работы Уайета также включали картины, в которых основное внимание уделялось важности «тяжелой работы» для многих людей в то время, поскольку экономика была подвержена волатильности, и многим гражданам рабочего класса часто приходилось бороться, чтобы удовлетворить свои жизненные потребности.

  Мир Кристины — это картина о жизни молодой девушки, которая была парализована ниже пояса и, как известно, была знакома с Уайетом. На картине она изображена лежащей посреди поля и смотрящей на одинокий дом вдалеке. Размытые цвета картины кажутся так, как будто жизнь только что высосана из сцены и, возможно, является отражением состояния молодой девушки и его последствий для ее жизни.

  Неясно, жалел ли художник девушку и ее недуг, но изображение дома вдалеке с протянутой к нему рукой девушки вызывает чувство сочувствия к девушке, которая должна была наслаждаться своими «цветными» годами.

   

  Хотя это могут быть самые грустные картины, которые вы когда-либо видели, пусть они не мешают вам учиться на визуальном выражении горя, меланхолии и боли. Художники веками кладут свои кисти на холст, чтобы запечатлеть такую ​​сложную и известную всем человеческую эмоцию, так почему бы не оценить ее по достоинству? Как бы вы изобразили грусть?

   

   

   

  Часто задаваемые вопросы

   

  Какая самая известная грустная картина в мире?

  Самая известная печальная картина в мире — Меланхолия (1891), которую создал Эдвард Мунк. Произведение считается грустной картиной из-за различных вариаций темы грусти и меланхолии. На картине изображен друг Мунка, Яппе Нильсен, который, кажется, испытывает печаль из-за романтического романа, в котором он был замешан.

   

  Какое направление в искусстве сыграло важную роль в появлении грустных произведений искусства?

  Художественное движение Экспрессионизм сыграл важную роль в росте грустных произведений искусства и изображений печали, меланхолии, горя и боли в искусстве, поскольку он отдавал приоритет интеграции человеческих эмоций от имени художника, а не изображению объектов и предметов, выполненных с помощью технических средств. совершенство. Это означало, что художники были вынуждены создавать картины и произведения искусства, которые выражали истинное чувство предмета, а не простое представление идеального изображения.

   

  Какие цвета используются для создания грустного искусства?

  Цвета, такие как различные оттенки синего и холодные тона, вызывают чувство грусти и ощущение пустоты в произведении искусства. Другие цвета, такие как палитра оттенков серого и приглушенные цвета, такие как бежевый, также могут добавить к произведению ощущение пустоты и грусти.

   

  Основная печаль искусства

  Писать легко. Все, что вы делаете, это садитесь за пишущую машинку и истекайте кровью.
  —Эрнест Хемингуэй

  Вы когда-нибудь видели фильм, который разбил вам сердце? Услышали песню, которая потрясла вас до глубины души? Вы когда-нибудь сталкивались с чем-то настолько глубоким, что это привлекало внимание к какой-то проблеме, о которой вы предпочли бы забыть? Назовите меня сумасшедшим, но я верю, что хорошее искусство должно делать : беспокоить нас.

  Фото: Пирс Най (Creative Commons)

  На днях я подслушал разговор двух мужчин, сидевших позади меня в местном кафе. И, честно говоря, меня это напрягало. Вот что они сказали:

  «Они действительно поставили мрачную пьесу… Стеклянный зверинец ?»

  «Тот, что от Теннесси Уильямса?»

  «Да, наверное. Я не знаю. Было действительно темно».

  Моя душа упала. Я люблю эту пьесу. Парень, увидевший это, продолжил говорить о том, что он «не понял», и другой согласился. Обоим это не понравилось из-за того, насколько неуверенно они себя чувствовали после просмотра. Но в этом весь смысл.

  Простите меня, если я возьмусь за мыльницу, но я не согласен с идеей, что комфорт должен быть определяющим фактором того, что делает искусство «хорошим».

  Устроить вам комфорт никогда не было целью.

  Искусство говорит нам, что не так с миром

  Некоторых из нас не устраивает статус-кво. Мы знаем, что что-то в этом мире пошло не так. Мы чувствуем это глубоко в наших костях, в глубине души, и это беспокоит нас.

  Это недовольство приводит к недоверию к штампам и предсказуемым сюжетам. Этого недостаточно, чтобы описать ситуацию, в которой мы находимся. Нам нужно что-то настоящее, что-то, что пробуждает наше воображение и разрешает неразрешенные конфликты.

  На днях я снова смотрел Полночь в Париже и заметил строчку, которую раньше не слышал:

  Жизнь не приносит удовлетворения.

  Это нашло во мне отклик. Как верно , подумал я. Часть работы художника состоит в том, чтобы придать смысл сломанному миру. Мы все чувствуем, что пытаемся заполнить пустоту.

  И есть ли лучший способ рассказать о путешествии души, чем словами и пятнами, говорящими об этой неудовлетворенности?

  Хорошее искусство беспорядочно

  Когда вы создаете что-то, что не признает этот факт — что жизнь — это Акт 2, а не Акт 3 — ваша аудитория узнает об этом. Они могут сказать, когда вы лицемерите. Это кажется слишком чистым, слишком буквальным. Наши души жаждут большего.

  Нам нужны сломанные и красивые, настоящие и грубые. Конечно, мы хотим жить с избытком, но мы знаем, что за это приходится платить. И когда вы не иллюстрируете эту цену хорошо — жертвами и тяжелым трудом — мы не верим этой истории.

  Подобно тому, как Бог сотворил творение из хаоса и дети рождаются среди крови, искусство возникает из боли разбитого мира. Если это не разбивает вам сердце и не вызывает легкой боли, то это не искусство. (Твитните это)

  Грустно, но правда

  В основе всего искусства лежит печаль, меланхолия, которую мы чувствуем, когда сталкиваемся с истинной красотой. Это та боль, это тоска, которую мы не можем описать, когда становимся свидетелями чего-то действительно прекрасного.

  Откуда это? Я полагаю, что причина того, что эта тема печали, раны в искусстве так универсальна, заключается в том, что человечество не является целым. Что-то не так с миром, и мы не можем это исправить.

  Вот почему я люблю Теннесси Уильямса. И Адель. Вот почему я резонирую с нытьем Маркуса Мамфорда и резонирую с тем чувством неуверенности, которое возникает у меня после окончания эпизода  «Безумцы «. Все эти истории и песни пытаются нас чему-то научить: Мы еще не закончили.

  Какой прекрасный беспорядок в этой жизни. Красивый и сломанный и умоляющий, чтобы его искупили. И для тех, кто слушает, это истина, которая резонирует.

  No related posts.