Кто создал картину менины: кто создал картину Менины? — Школьные Знания.com

Самые первые работы мастера, получившие известность, были посвящены обыденной жизни многочисленных ремесленников, кухарок и подмастерьев, занятых разговорами, приготовлением пищи или, уборкой. Этот жанр получил название «бодегонес» (слово «bodegon» по-испански означает «трактир, харчевня»). Полотна этой серии характеризуются темным, чаще всего условным фоном. Обычная трапеза простолюдинов изображалась расставленными кувшинами, стаканами, тарелками и скудной провизией, разложенной прямо на досках стола или белой скатерти.

Картина «Старая кухарка» (около 1618 года, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург) является ярким примером этого жанра. Усталая пожилая женщина готовит завтрак из яиц в темной кухне. Стряпни дожидается мальчишка, видимо, чей-то подмастерье или прислуга самой героини. Юноша сжимает в руке кувшин с вином и держит в другой руке спелую дыню, очевидно, приготовившись подать все это на стол. Скудный интерьер харчевни представлен грубым чурбаном, со стоящей сверху него глиняной тарелкой, короткими черпаками, развешанными за спиной кухарки и старой плетеной корзинкой. Вся картина пропитана однообразием дней, которые проводит здесь эта пожилая женщина.

Не менее удручающий сюжет с убогой обстановкой трактира представлен на полотне «Двое юношей у стола» (около 1618 года, Музей Веллингтона, Лондон). Здесь мы видим, как на переднем плане сохнет стопка чистых тарелок, глиняный кувшин, перевернутая железная чашка и деревянная толкушка. Рядом лежит смятая тряпка, видимо, служившая полотенцем. Один из юношей допивает свой напиток, и, склонившись над столом, о чем-то тихо беседует со своим другом.

Обыденный, простой, и спокойный сюжет этих полотен стал причиной несколько презрительного отношения севильской публики к картинам Веласкеса. Ценители искусства сочти живопись слишком «приземленной» для высокого названия «искусство».

Немного отличается по настроению картина «Завтрак» (около 1618 года, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), принадлежащая к этой же серии. На полотне живописец изобразил двух веселых молодых людей в компании пожилого солидного человека. Как минимум один из этой троицы, пирующей в харчевне, имеет благородное происхождение. Об этом говорят висящие в центре стены короткополая шляпа, шпага и отнюдь не белоснежный воротник. Несмотря на это, еда на столе весьма скудная, что никак не портит настроение всей компании.

Один из молодых людей, улыбаясь, поднял вверх большой палец, а второй со счастливым видом показывает наполненную склянку вина. Лишь пожилой бородатый мужчина с усмешкой смотрит на своих приятелей. Эта реалистичная картина Веласкеса, наверное, единственная в его цикле «бодегонес», где, несмотря на унылый фон и бедность изображаемой обстановки, герои светятся оптимизмом и беззаботностью молодости.

Совершенно другой атмосферой пропитано полотно «Христос в доме Марии и Марфы» (около 1620 года, Национальная галерея, Лондон). На картине мы видим молодую кухарку, которая что-то толчет в своей ступке. На столе перед ней лежат два яйца на тарелке, рыба в чашке и головки чеснока. Женщина готовит пищу (рыба здесь — символ Христа), а её старая умудренная жизнью собеседница указывает на повествующую о евангельском сюжете картину.

По композиционному строю перед нами классический вариант «картины в картине», когда два сюжета тесно перекликаются по смыслу. Сестры Мария и Марфа слушают речь Христа, пришедшего в их дом, оставив свои домашние дела. Причем, благословляющий жест Божьего Сына распространяется на оба изображенных сюжета, и на дом Марии и Марфы, и на скудную трапезу в сюжете основной картины. Так художник проводит параллель между библейским приготовлением пиши, приостановленным ради слов Учителя, и современной мастеру бытовой сценой, где пожилая женщина также остановила свою товарку, напомнив ей о вечных ценностях.

Совершенно иная жизненная аллегория представлена в работе «Продавец воды из Севильи» (1622 год, Собрание Уоллеса, Лондон). Здесь мы видим простолюдина с загорелым морщинистым лицом, протягивающего бокал с водой задумчивому мальчугану. Живописец специально подчеркнул светотенью округлые контуры стоящего рядом кувшина и особенно тщательно прорисовал изящность прозрачного сосуда, в котором лежит на дне плод инжира, не только придающий воде приятный вкус, но и являвшийся в то время эротическим символом. Получается, что пожилой мужчина, как бы небрежно предлагает ничего не подозревающему мальчику испробовать «чашу любви». На заднем плане полотна, крепкий юноша, с наслаждением допивает свой бокал.

Все полотна отличаются темным, будто бы безвоздушным фоном, лишенным глубины. Построение каждого натюрморта строго и лаконично, но не лишено некой торжественности. Все выбранные художником образы жизненны и выразительны, а колористика картин уравновешена и спокойна.

Исполнение мечты

Тем не менее, интересы юного живописца не ограничивались образами простых горожан, не менее сильно его интересовали и характеры известных светских личностей. Так, летом 1623 года Веласкес предпринимает новую поездку в Мадрид.

На это раз, художнику удалось наладить при дворе Филиппа IV прочные контакты. По протекции старинного друга художника Пачеко — королевского капеллана дона Хуана де Фонсеки, Веласкес получил заказ на портрет от графа Оливареса. Удивительная работоспособность, дворянское происхождение и нужные связи помогли живописцу сначала обрести в лице графа покровителя и друга, а затем подарили и благоволение самого монарха. Молодой, образованный полиглот и любитель прекрасных женщин, король Филипп IV, полностью доверявший Оливаресу, согласился, наконец, познакомиться с малоизвестным севильским художником.

Пожар в королевском дворце 1734 года уничтожил и сам дворец, и огромную коллекцию произведений искусства, хранившуюся в нем. Среди утраченных картин были и все первые портреты герцога Оливареса и короля Филиппа IV, принадлежащие кисти Веласкеса.

Зато остались свидетельства современников о том, что за свои произведения художник удостоился от короля самой наивысшей похвалы, которая только могла быть. Сразу же, в первый год своего приезда в столицу, 6 октября 1623 года, художник был назначен придворным живописцем короля Испании. В его мастерской, расположенной в крыле дворца испанского монарха, установили специальное кресло для Его Королевского Величества, и Филипп IV располагался там в любое удобное ему время, зачастую открывая комнату собственным ключом.

Естественно, такой стремительный успех нового художника повлек за собой появление множества завистников и недоброжелателей. Художественные способности Веласкеса постоянно подвергались сомнениям, а придворные вельможи часто выражали недовольство его заносчивостью и высокомерием. Но у художника был несокрушимый покровитель. В «Портрете Гаспара де Гусмана, герцога Оливареса» (1624 год, Музей искусств, Сан-Паулу), герой выглядит грозным и мощным кавалером. Он стоит в величественной позе, лишь слегка отперевшись рукой на покрытый бархатной скатертью стол.

Имея покровительство двух самых влиятельных людей Испании, художник, в отличие от большинства придворных живописцев своего времени, был ещё и деятельным вельможей, из-за чего не смог полностью отдаться искусству.

Не смотря на жесточайшие правила придворного этикета и постоянные дворцовые интриги, между Веласкесом и молодым монархом сложились очень теплые дружеские отношения. Филипп IV даже не желал никому позировать, если его любимый живописец был в отъезде.

Художник пользовался у него особым расположением, что явно показано на полотне «Портрет Филиппа IV» (1631-1632 годы, Национальная галерея, Лондон). Король здесь изображен в одеянии, сплошь затканном серебром. Одна его рука спокойно лежит на эфесе шпаги, что традиционно является символом власти и могущества, зато в другой руке король держит документ, на котором явно читается подпись Веласкеса. Шляпа монарха лежит на столе в глубине картины, словно Филипп IV снял её перед важной аудиенцией, минуту назад.

Роскошно украшенные великолепными произведениями искусства многочисленные лабиринты коридоров и сумрачных комнат королевского дворца, чрезвычайно расширили художественный кругозор мастера. Познакомившись с картинами Рубенса и Тициана, которые произвели на него сильнейшее впечатление, Веласкес по заказу короля написал конные портреты Филиппа IV и его супруги.

В отличие от монарха, королева Изабелла не любила позировать художникам, поэтому до наших дней дошли лишь несколько её изображений, в том числе «Конный портрет королевы Изабеллы Бурбонской» (1634-1635 годы, Прадо, Мадрид). Картина изображает дочь Марии Медичи сидящей в царственной позе, на украшенной великолепной расшитой попоной, белоснежной лошади. Так же, как и большинство портретов того времени, этот, очевидно, был написан в мастерской, а испанская природа на заднем плане, не более чем подготовленный «задник». В плоском безвоздушном пространстве королева изящно держит узду своей лошади. Работа является ярким примером традиционного для Испании того времени парадного портрета.

Однако постепенно чопорный и холодный облик персонажей на его полотнах менялся. С годами психологическая характеристика портретируемых стала усложняться, что особенно ярко проявилось не в заказных портретах особ королевской семьи и вельмож, а в образах шутов и карликов, которых, очевидно, было немало при дворе Филиппа IV.

По некоторым сведениям, всего при монаршем дворе того времени было более ста шутов, уродцев и карликов. Гримасы и различные физические недостатки этих людей были единственным развлечением в однообразной и тоскливой жизни обитателей королевского дворца. Карлики и шуты являлись неотъемлемой частью установленного уклада монаршего двора, им не подобало выказывать жалость или сочувствие, над ними можно было лишь смеяться, правда, в пределах этикета. Существовала при дворе и традиция изображения уродцев и карликов, над одиночными и групповыми портретами которых трудились все испанские живописцы XVI века.

Этот жанр в живописи даже имел своё отдельное название — «Los truhanes». Нередко шуты изображались на парадных портретах рядом со своими хозяевами. В творчестве Веласкеса также есть целый ряд работ этого жанра.

Например, на «Портрете инфанта Валтасара Карлоса с карликом» (1631 год, Музей изящных искусств, Бостон) рядом с маленьким принцем, одетым в красивый, расшитый золотом костюмчик с перекинутой через плечо ливреей, стоит карлик в белом фартучке. В левой руке карлик держит погремушку, а правой прижимает к себе яблоко. Портрет вызывает ряд вопросов о скрытом психологическом смысле, заложенном художником. Так, карлик, который без сомнения лишь игрушка, принадлежащая наследнику престола, держит в руках предметы, почему-то сильно напоминающие державу и скипетр. И именно он, а не наследник престола выглядит на картине настоящим ребёнком, тогда как красивый и наряженный Валтасар Карлос, больше похож, на пустую куклу.

Все портреты карликов у Веласкеса отличаются выразительностью и глубокой симпатией. При внимательном взгляде на «Портрет карлика Эль Примо» (1644 год, Прадо, Мадрид) трудно не заметить печать и мудрость на его лице. Обычно карликов не изображали в дворянской одежде, и то, что на картине герой облачен в костюм вельможи, скорее всего, означает его благородное происхождение. Доподлинно известно, что Эль Примо имел хорошее образование и кроме своих шутовских обязанностей, служил в королевской канцелярии, поэтому художник изобразил его с книгами.

Правдивые, без прикрас портреты шутов и уродцев гораздо больше говорят о художнике, чем его заказные работы. Ещё одним примером картины «Los truhanes» может служить «Портрет Франсиско Лескано» (1643-1645 годы, Прадо, Мадрид). Композиция полотна очень схожа с классической постановкой парадного портрета. Художник изобразил шута настолько добрым и непосредственным, что это делает его явную недалекость ума сродни детской наивности, нежели глупости.

Некоторые критики считают неоднозначным и «Портрет дона Хуана Калабасаса» (около 1643-1644 годов, Прадо, Мадрид). На нём горбун изображен с традиционными атрибутами глупости — высохшими тыквами-погремушками, называемыми по-испански «калабасасами» (отсюда и прозвище шута). Другое название работы — «Эль бобо», что означает «дурак». Тем не менее, герой портрета больше похож на профессионального артиста, изображающего глупца на потеху знатным вельможам, а не умственно отсталого человека.

Особенно сильное впечатление производит «Портрет дона Себастьяна дель Морра» (1645 год, Прадо, Мадрид). Карлик с большой головой и непропорционально короткими ножками смотрит на зрителя проницательным и умным взглядом образованного, ироничного и властного человека. Королевская накидка, накинутая на узкие плечи карлика, выглядит как насмешка судьбы над этим человеком. Очевидно, художник по долгу службы много общался со всеми обитателями королевского двора и прекрасно знал их характеры.

За время, в течение которого Веласкес сделал при дворе карьеру, сначала от придворного художника до гофмейстера, а позже и от гардеробмейстера до администратора всего королевского дворца, он повидал очень многое. Один траур сменялся другим: сначала не стало королевы Изабеллы, затем скончалась сестра Филиппа IV — Мария, неожиданно умер наследник престола принц Балтасар Карлос. Уставший живописец решил покинуть королевскую резиденцию и, получив благоволение монарха, уехал в Италию, исполненный решимости поработать над пейзажами.

Природа в работах мастера

Пейзажи занимали в творчестве Веласкеса довольно незначительное место, но, тем не менее, есть несколько известных этюдов художника, изображающих живописные уголки знаменитого парка Медичи в предместьях Рима.

Примером такого пейзажа может быть полотно «Вилла Медичи в Риме. Фасад Гротто-Лоджип» или «Вилла Медичи в Риме. Павильон Ариадны» (обе 1630 год, Прадо, Мадрид). Работы отличаются непосредственным восприятием жизни, ясностью форм и свободной манерой письма. Неповторимая атмосфера заброшенных мест резко контрастирует с подчеркнуто стаффажными фигурами людей, словно специально вписанными мастером в композицию, чтобы оживить унылый парк. Немного резкие переходы светотени в обоих этюдах придают полотнам легкую романтичную грусть. Долгое время работы датировались 1650-1651 годами, то есть периодом второй поездки Веласкеса в Италию. Но благодаря последним исследованиям, стало очевидно, что оба этюда были написаны мастером гораздо раньше, как раз в первое его путешествие.

Картина «Конный портрет Филиппа IV» (около 1634-1635 годов, Прадо, Мадрид) служит примером работы, в которой Веласкес использовал довольно реалистичный пейзаж в качестве фона, в отличие от многих аналогичных работ, отличающихся плоским, безвоздушным пространством.

Творчество художника не ограничивалось только жанрами портрета и пейзажа. Великий живописец создал много картин на мифологические и исторические сюжеты, которые всегда стремился трактовать по-своему, не ровняясь на сложившиеся традиции и достижения других знаменитых мастеров живописи.

Религиозная живопись

Следуя господствовавшей в те времена традиции, Веласкес, ещё в самом начале своего творческого пути нередко обращался к религиозным сюжетам. Работы художника отличались оригинальной трактовкой независимо от того, изображал ли он традиционные сюжеты как самостоятельные произведения, например, картины «Непорочное зачатое» (1618 год, Национальная галерея, Лондон), или «Поклонение волхвов» (1819 год, Прадо, Мадрид), или вставлял библейский сюжет в обыденную жанровую сценку, например — «Христос в доме Марии и Марфы» (около 1620 года, Национальная галерея, Лондон).

После переезда в Мадрид живописец создавал преимущественно портреты и практически не обращался к религиозному жанру. Исключение составляли несколько работ, созданных в разные годы по заказу испанского монарха.

По легенде, король Филипп IV однажды воспылал порочной страстью к одной молодой монахине мадридского монастыря бенедиктинок Сан Пласидо. Во искупление этого кощунственного греха, монарх пообещал представить в монастырь великолепные произведения искусства, принадлежащие кисти самого прославленного художника столицы — Диего Веласкеса.

Мастер создал несколько полотен, самым знаменитым из которых стала картина «Распятый Христос» (около 1632 года, Прадо, Мадрид). Как и большинство религиозных работ художника, картина отличается оригинальной трактовкой сюжета. Живописец намеренно придал образу Христа максимально реалистическую и психологическую окраску. Иисус изображен на кресте в очень спокойной, лишенной надрыва позе. Вероятно, Веласкес стремился избежать выражения непереносимых страданий, поэтому половина лица Спасителя скрыта свисающей прядью волос. Вся фигура его словно излучает теплое сияние, резко контрастируя с темным прозрачным фоном. Этот прием создает впечатление, будто тело Иисуса — это некая стена, отделяющая наш мир от всепоглощающего мрака.

Произведение «Коронование Марии» (1645 год, Прадо, Мадрид) несет в себе совсем другую интонацию. В нём Веласкес изобразил новозаветную Троицу, возлагающую увитую прекрасными цветами корону на голову Марии. Лицо восседающего Иисуса торжественно и сосредоточено. Умудренный властью и опытом седовласый Бог отец держит одной рукой хрустальную магическую сферу. А по середине, застыл в сияющем ореоле взмахнувший крыльями голубь, от которого льются золотые лучи света, падающие на голову Марии. Продуманное колористическое решение группы и её композиционное построение по своей форме напоминают наполненное божественным духом и кровью человеческое сердце. Эти полотна по праву являются сокровищами лучших мировых музеев и своим великолепием компенсируют малое количество религиозных работ великого живописца.

Оригинальная трактовка мифологических сюжетов

Мифологические сюжеты на полотнах Веласкеса также имеют довольно оригинальную трактовку. Во всех картинах этого жанра художника, похоже, вовсе не интересовала сама мифологическая сторона замысла. Исторические личности и боги решены у него не возвышенно и героически, а весьма приземленно. Например, на картине «Триумф Вакха» (второе название — «Пьяницы», 1629 год, Прадо, Мадрид) показан вовсе не пир богов и сатиров, а пирушка обычных испанских бродяг, расположившихся прямо в поле. Среди них мы видим и античного бога Вакха, вместе с его фавном.

Молодой бог уже наградил одного из участников веселья венком из виноградных лоз и теперь рассеянно возлагает такой же венок на голову склонившегося перед ним солдата. Но композиционным центром картины является вовсе не Вакх, а смеющийся нищий в черной широкополой шляпе, держащий в руках бокал, наполненный вином. При всем кажущемся веселье, все участники выглядят скорее усталыми, или даже грустными. Бродяга, склонившийся над плечом юного бога, выглядит хмельным и суровым. Все персонажи как будто взяты из самой реальности. Лицо Вакха лишено античного совершенства и возвышенности, как и его тело, с выступающим животом. В то же время, все герои совершенно лишены даже намека на вульгарность. Гениальный художник сумел очень сбалансировано окутать вакхической стихией привычную бытовую картину.

Оригинальное авторское толкование имеет и другая работа, посвященная мифологическому сюжету — «Кузница Вулкана» (1630 год, Прадо, Мадрид). Сцена античного эпизода заключается в том, что к Вулкану — богу кузнечного дела, у которого в подмастерьях значились циклопы, приходит Аполлон и сообщает грозному божеству неприятную весть о том, что красавица Венера, жена Вулкана, изменила ему. Казалось бы, реакцией бога должна стать буря негодования, извергающаяся огнем и железом.

Но Веласкес совершенно иначе трактовал классический сюжет. В средневековой кузнице мы видим не циклопов, а крепких мужчин в набедренных повязках. Все кузнецы смотрят на внезапно появившегося в золотом ореоле золотоволосого Аполлона с лавровым венком на голове и в античной тоге с недоумением. Никакого возмущения или негодования на лице Вулкана нет — только сомнение и удивление.

Если бы не присутствие сияющего античного бога, перед нами была бы типичная бытовая картина. Есть в полотне и аллегория — на полке над пылающим горном мы видим белоснежный блестящий кувшин. Безусловно, это светлое вертикальное пятно понадобилось живописцу для уравновешивания цветовой композиции картины, ведь он находится как раз на противоположной от белокожего Аполлона стороне работы. Но кувшин заключает в себе и смысловую нагрузку. Словно прекрасная Венера, этот идеально белый сосуд принадлежит Вулкану, и даже стоя прямо над раскаленным горном, рядом с закопченным железом и будучи окруженным потными мужскими телами, он сохраняет девственную чистоту. Так и все по-настоящему любящие мужчины верят, что их супруги безупречны и преданны им.

Два полотна — «Эзоп» и «Бог войны Марс» (обе — около 1640 года, Прадо, Мадрид) были частью большой серии, предназначенной для украшения королевского охотничьего замка расположенного поблизости от Мадрида Торре де ла Парада. Эти известные персонажи также лишены пафосности и выглядят совершенно обыденно, то есть полностью соответствуя манере художника. Если бог войны похож на просто усталого и задумчивого солдата, то Эзоп выглядит совершенно опустившимся человеком. Обоих героев окутывает скрытая грусть, которая, очевидно, была свойственна и самому автору во время выполнения заказа. Подданные Филиппа IV не могли не реагировать на тот упадок, в котором находилась страна.

Веласкес получил классическое католическое образование и даже состоял в родстве с чиновником Святой Инквизиции, однако, это не смогло перевесить того сильнейшего впечатления, которое произвели на мастера работы итальянских классиков. Так, после второго посещения Италии, художник увлекся изображением обнаженной натуры. Сохранились сведения, что он создал целый ряд совершенно нехарактерных для испанской живописи того времени, подобных образов. По всей видимости, молодой монарх разделял интересы своего любимого живописца, по этому, все эти картины вскоре украсили комнаты дворца. Но до нашего времени, они, к сожалению, не сохранились. За единственным исключением — «Венера перед зеркалом» (около 1648 года, Национальная галерея, Лондон) стала уникальным образцом чувственного женского портрета кисти Веласкеса.

По задумке автора, картина является жанровым полотном с элементами бытовой сцены. Обнаженная богиня, обращенная спиной к зрителю, лежит на шелковых простынях. Она смотрит на себя в зеркало, которое держит для нее крылатый купидон, красный бархатный занавес служит для них фоном. Все великолепно выписанные складки шелковой постели Венеры, её бархатистая кожа, плавные соблазнительные изгибы её тела, ленточка, витиевато наброшенная на зеркало, и направление отдернутой красной драпировки создают идеальную композицию, поражающую своей красотой и гармоничностью.

Как и в других мифологических полотнах Веласкеса, в картине довольно мало божественного, все несколько обыденно и приземленно. Серые, как будто неестественные крылья купидона резко контрастируют с его упитанным тельцем, а черная широкая рама мутноватого зеркала призвана усилить зрительскую интригу: какой же облик у прекрасной Венеры? Отражение в зеркале расплывчато и неясно, но очевидно, что лицо богини, почему то не сияет красотой, как это можно было бы ожидать, глядя на её изящный силуэт.

В этом произведении, мастер остался верен себе — он в очередной раз изобразил не традиционно-ожидаемый божественный образ, а простого человека. По поводу той картины существует легенда, согласно которой, Веласкесу позировала итальянская художница Фламиния Тривио. Надо сказать, что в те времена женщины очень редко занимались живописью. Вероятно, между Тривио и художником вспыхнул роман, после которого, Веласкес вернулся на родину, а Фламиния родила от него сына. Поэтому «Венера перед зеркалом» так чувственна и разительно отличается от обычных образов мастера. Фактически, художник создал себе на память настоящий портрет возлюбленной.

За два с половиной века полотно сменило несколько владельцев, а в 1914 году в вовсе подверглось нападению. Мэри Ричардсон — одна из ярых поборниц прав женщин изрубила холст тяпкой в знак протеста, после чего он очень долго находился на реставрации. Как ни удивительно, непростую судьбу имеют почти все произведения великого художника.

Военный триумф испанской монархии

Когда Веласкес ещё в бытность свою королевским гофмейстером занимался оформлением интерьера очередного королевского дворца Буэн Ретиро, он начал работу над серией исторических полотен, призванных воспеть военные триумфы испанского монарха. Все работы относятся к 1630-м годам.

Произведение «Сдача Бреды» (1634-1635 годы, Прадо, Мадрид) — пожалуй, самое масштабное из всех сохранившихся. Оно изображает торжественный акт передачи ключа от осажденного голландского города победившей в сражении испанской армии 2 июня 1625 года, когда Испания усмиряла свои непокорные северные территории.

Сам эпизод передачи ключа является композиционным центром картины, в которой великий портретист невероятно точно дал психологическую характеристику двум известным военачальникам. В вынужденном подобострастии склонился с темным ключом в руке командующий голландским гарнизоном Юсгив Нассау перед высоким худощавым Амбросио Спинолой — испанским полководцем. Спинолой благородным жестом победителя похлопывает побежденного противника по плечу. Обоих военачальников окружают их войска.

Лишь несколько воинов осталось за спиной Нассау, и те в унынии опустили головы. Всего лишь пара-тройка бердышей одиноко высится над ними. А за их спиной поднимается к небу чёрный дым от пожарищ, уходящий вправо, уводя, таким образом, взгляд зрителя к испанской армии. Над группой офицеров Спинолы стоит целый лес стройных копий. Их четкий ритм усиливает впечатление могущества и силы победившего войска. Все полотно смотрится очень реалистично, благодаря тщательно выписанной пространственной глубине, как в изображении групп воинов, так и в пейзажном фоне.

Живописец великолепно проработал фактура практически каждого костюма участников полотна, стоящих на первом плане. Здесь собрана целая галерея портретов испанской аристократии того времени, начиная от образа полководца Амбросио Спинолы, которому художник дал благородную рыцарскую психологическую характеристику, и заканчивая собственным печальным автопортретом возле головы лошади. В противовес холодному достоинству триумфаторов, побежденные голландцы изображены просто и крупно. Их естественные позы очень правдивы и человечны. Здесь, как ни странно, автор позволил себе симпатию к проигравшим. Нидерландские провинции отчаянно боролись за свою независимость, и когда Веласкес создавал картину, Брена уже была отбита голландцами. Даже в этом произведении читается некая скрытая ирония, хотя оно и было призвано прославлять победы и доблесть испанской монархии.

Веласкес изобразил в правой «испанской» части картины идеально выписанный круп лошади, которая, безусловно, является символом преимущества и мощи Испании. Вот только почему художник повернул её к зрителю задом? Не смотря на всю свою преданность Филиппу IV, живописец, как человек умный и неплохо разбирающийся в политике, тонко выразил своё мнение единственно доступным ему способом — посредством картины. Надо признать, в этом Веласкесу не было равных среди живописцев его эпохи.

Портрет Папы Римского

В конце 1640-х, Веласкес совершил своё второе путешествие в Италию. Официальным предлогом для его визита было приобретение для коллекции Филиппа IV античной скульптуры и нескольких шедевров итальянской живописи. Но не надо забывать, что художник был одновременно и высокопоставленным придворным чиновником своего монарха, среди обязанностей которого было и установление дипломатических связей с высокопоставленными лицами Италии. Живописец прекрасно справился с обеими задачами, он был благосклонно принят новым Папой Иннокентием X в Ватикане, который тут же заказал ему свой портрет. Результат трехмесячной работы художника ошеломил весь Рим, не говоря уже о заказчике.

Полотно «Портрет Папы Иннокентия X» (1650 год, Галерея Лориа-Памфили, Рим) моментально приобрёло самую широкую известность. Хотя это было не характерно для того времени, с картины было сделано множество копий. Связан такой успех был в первую очередь с достижением необычайно высокого соответствия психологического портрета героя полотна.

На фоне тяжелой малиновой портьеры, в красной атласной шапочке сидит на позолоченном троне властный понтифик. Очень материально и осязательно переданы и белоснежные складки рясы, и шелк его алой мантии, и даже золотой перстень с крупным темным камнем, украшающий его правую руку.

Несмотря на удобное положение в кресле, поза Иннокентия X несет в себе внутреннюю напряженность. Это заметно по слегка согнутым пальцам на подлокотнике трона и едва заметным каплям пота на носу и лбу Папы. Рефлексы здесь переданы с большой убедительностью. Но особенно поражает лицо понтифика. Его плотно сжатые кривые тонкие губы и широкий тяжелый подбородок с жидкой бородкой красноречиво показывают скрытность и жестокость характера. Длинный нос свидетельствует о его благородном происхождении. Глубоко посаженные глаза внимательно и холодно смотрят прямо на зрителя. Во взгляде главы церкви читается надменность, ум, проницательность и хитрость.

Как бы невзначай художник подчеркивает крупное ухо понтифика, на которое падает свет. Эта ничего не значащая деталь неожиданно сообщает всему образу Иннокентия X обыденность и прозаичность. С портрета смотрит властный, сильный и не лишенный порочных страстей немолодой мужчина в одежде самого высокопоставленного сановника церкви. Самое главное, что донес до зрителя Веласкес — это то, что при всех своих достоинствах и недостатках, Папа Римский не обладает главным — ни христианским милосердием, ни святостью.

Сохранились свидетельства очевидцев, которые говорят, что понтифик, впервые увидев свой портрет, воскликнул: «Слишком правдиво!». Образованный, наделенный острым умом Иннокентий X не мог не признать, насколько гениально создан этот шедевр. Он торжественно наградил художника папской медалью и золотой цепью.

Сам Веласкес тут же получил множество заказов на портреты от других высокопоставленных сановников Ватикана: от монсеньора Камильо Массими, до кардинала Летали Памфили. Но дипломата и живописца торопил с возвращением король. Поэтому Веласкес поспешил вернуться в Мадрид, где у него уже было множество творческих планов.

Аллегория несправедливого жизненного уклада

Одной из самых удивительных и символических картин Веласкеса стало полотно «Пряхи» (второе название — «Миф об Арахне», около 1657 года, Прадо, Мадрид). Холст разделен на две композиционные части. На первом плане в полутьме ткацкой мастерской изображены занятые своим нелегким трудом прядильщицы. В центре молодая работница, опустившись на одно колено, подбирает с пола мотки шерсти. По правой стороне художник реалистично и крупно выписал другую пряху, сматывающую шерстяную нитку в плотный клубок. Ее широкая спина и крупные руки с закатанными рукавами выражают точность и уверенность движений. Рядом наблюдает за её работой другая молодая женщина. Слева от них, в небрежно наброшенном платке сидит усталая ткачиха возле своего деревянного станка, разговаривающая с помощницей. У её босых ног уютно расположилась кошка. Сзади помощницы ткачихи мы, благодаря отодвинутому тяжелому красному занавесу, можем видеть готовые гобелены, сложенные стопкой. Вся сцена изображена в характерной для художника манере — обыденно и без прикрас. Необходимый динамизм картине придают отдельные детали — вроде вращающегося колеса станка или выброшенной вперед ноги пряхи, а также насыщенный колорит сцены.

Второй композиционной частью полотна является задний план. Там, будто на залитой лучами солнца сцене, изображены две придворные дамы, внимательно рассматривающие висящие на стене ковры. Вероятно, дама слева — хозяйка мастерской, терпеливо ожидающая решения потенциальной покупательницы. Яркий узорчатый кант ковра, изображенная на нём торжественная мифологическая сцена и его чистые звучные цвета словно превращают всю дальнюю часть помещения в сказочное торжественное представление, резко контрастирующее с обыденностью передней части картины.

Два разных плана произведения находятся в сложном и одновременно прямом взаимодействии друг с другом. Это не просто противопоставление тяжелого труда и его прекрасного результата. Здесь важное значение имеют детали, а именно, тема, изображенная на готовом гобелене, осматриваемом покупательницей. Там мы можем видеть финал древнеримского предания об Арахне, который и задает верную трактовку всей работы.

Мифологическая героиня славилась мастерством искусной прядильщицы, которая возгордилась своими способностями и была за это превращена богиней Минервой в ужасного паука. Здесь и кроется даже не ирония, а скорее горькое сожаление великого живописца. Именно поэтому лик придворной дамы имеет бесспорное портретное сходство с молодой работницей, стоящей в правом углу картины. Ведущая в никуда вертикаль лестницы, расположенной в левой части картины, над головой ткачихи, сидящей за деревянным станком, призвана композиционно направить взгляд зрителя от светлого дальнего плана обратно в полумрак мастерской.

Очень красноречива и венчающая всю композицию круглая глухая вытяжка — притом, что, судя по потоку яркого света, льющемуся слева, в дальней комнате уже имеется большое окно. Смысл окаймленной черной сферы, помещенной живописцем надо всей картиной — символизировать необратимый круг человеческой жизни. Ни тяжелый труд, ни выдающийся талант не могут исправить раз и навсегда сложившееся положение: мастерство простой девушки Арахны не может превзойти элитарного искусства богини Минервы. Не даром Веласкес изобразил на гобелене не момент божественного гнева и трансформации Арахны в насекомое, а именно триумф божественной воительницы.

Эта своеобразная аллегория, быть может, имеет и политические нотки. Сюжет можно трактовать и как печальный триумф испанской монархии, которая может с легкостью перемолоть как отдельного человека, так целые государства, возомнив себя выше них. Произведение стало не только наивысшим достижением искусства художника, но и выражением его глубокого понимания несправедливости мироустройства и выражением сочувствия к тем, кто ниже по иерархической лестнице.

Загадочные «Менины»

В 1656 году прославленный живописец создает картину, считающуюся венцом его творчества и одним из самых загадочных полотен в истории искусства — «Менины» (Прадо, Мадрид).

В переводе с испанского «менина» — это молодая девушка благородного происхождения, являющаяся постоянной фрейлиной принцессы и всегда сопровождающая её в свите. Согласно инвентарным спискам королевского дворца полотно значилось как «Семейный портрет», но его очень трудно назвать «семейным», как, впрочем, и «Менины» — удивительно неподходящее для него название.

Композиционным центром картины является хрупкая маленькая фигура инфанты Маргариты в светлом красивом платье. Девочка стоит, слегка повернув голову, и как бы выжидающе смотрит на зрителя. Молодая фрейлина Мария Сармиенто опустилась перед ней на одно колено, согласно требованиям этикета, и подает сосуд с напитком. Фрейлина Изабелла де Веласко застыла в реверансе с другой стороны. Справа у стены расположились постоянные члены свиты инфанты Маргариты — её шуты: карлица Мария Барбола и юный Николас Пертусато. Первая – прижимает к груди игрушку, второй – толкает ногой лежащую большую собаку.

На среднем плане мы видим выступающую из полумрака женщину в монашеском одеянии – наставницу принцессы Марселу де Уллоа, и гвардадамаса – постоянного охранника и сопровождающего инфанты. В проеме открытой двери на заднем плане по ступеням поднимается Хосе Нието — придворный вельможа. А с левой стороны полотна, возле натянутого на подрамнике огромного холста, художник изобразил самого себя. Он держит в одной руке длинную кисть, а в другой – палитру. Взоры живописца, принцессы, присевшей в реверансе фрейлины, и карлицы устремлены на зрителя. Точнее, на отражающуюся в зеркале на противоположной стене пару людей, которая как бы стоит по эту сторону картины — королевскую чету Филиппа IV и его супругу Марианну Австрийскую.

Белее трех веков искусствоведы и биографы великого живописца пытаются разгадать смысл этой странной многофигурной картины, в которой художник вновь использовал своё излюбленное построение композиции — «картина в картине». В который раз мастер достоверно показал быт монаршей семьи и её придворных. Здесь нет ни официального величия, ни парадности, лишь некоторая непосредственность и искренность в облике принцессы придает картине её звучание. Что же хотел сказать художник этой работой? Почему королевская чета изображена лишь неясными пятнами?

Есть разные версии, по-своему трактующие сюжет произведения. По одной из них, Веласкес изобразил момент перерыва во время создания портрета инфанты, когда в мастерскую заглянула королевская чета и все фрейлины бросились к своей госпоже.

По другой версии, художник создавал портрет именно Филиппа IV и Марианны Австрийской, прервав свою работу из-за неожиданно пришедшей принцессы и её свиты. Существуют сотни объяснений и толкований необычной композиции этой удивительной картины, но все они, к сожалению, противоречат друг другу и отдельным деталям на холсте великого мастера.

Одним из загадочных моментов является то, что Веласкес, стоящий на картине в собственной мастерской, изобразил все окна помещения плотно зашторенными. На потолке отчетливо видны крепления для люстр, но самих люстр нет, как и никаких других источников света. От этого, большая просторная комната, увешанная полотнами великих мастеров, оказывается погруженной во мрак. Но ни одни живописец не будет работать в темноте. Судя по расположению теней на холсте, свет идет со стороны условного расположения королевской четы, да ещё дверной проем на заднем плане залит солнечными лучами.

Получается, что таким образом Веласкес показывает нам, что он пишет свои гениальные полотна «во мраке» королевского дворца. И не смотря на его дворянское происхождение и титул рыцаря ордена Сантьяго, о котором красноречиво свидетельствует золотая символика в виде креста на куртке его костюма, он не имеет возможности «выйти на свет». То есть, художник мог творить только «в лучах» своего монарха, или же был бы вынужден покинуть королевский дворец и уйти в никуда. Быть может, именно эту мысль хотел донести художник, изображая самого себя вместе со свитой принцессы на «Семейном портрете» или «Менинах».

Еещ одним красноречивым символом является собака, лежащая на первом плане картины. Образ собаки – это образ верного друга, который все стерпит – его можно пнуть сапогом, он все равно будет защищать своего хозяина. В её образе символизирована несладка судьба придворного живописца, гениального творца, который мог бы быть чем-то большим, чем просто преданный слуга своего господина.

Неожиданная смерть

Искусство Веласкеса наиболее глубоко выразило бурный расцвет реалистической живописи XVII века в Европе. Правдивые образы, созданные гениальным живописцем, до сих пор служат непревзойденным образцом совершенства для настоящих ценителей искусства и художников разных поколений.

В 1660 году, Веласкес отправляется ко двору французского монарха, чтобы уладить вопросы, касательно заключения между Испанией и Францией «Пиренейского мира», ставшего концом многолетней конфронтации двух стран. Суть миссии художника, выбранного доверенным лицом короля Испании Филиппа IV, состояла в улаживании всех вопросов по поводу заключения брака между старшей дочерью короля Марией-Терезией и Людовиком XIV.

По традиции, событие такого масштаба требовалось закрепить «узами крови». Художник не только написал и доставил в Версаль великолепный «Портрет инфанты Марии Терезии» (1652 год, Художественный исторический музей, Вена), он также организовал все торжества и приемы по этому случаю, и даже сопровождал королевский кортеж на церемонию обручения, которая состоялась на острове Фазанов, на французско-испанской границе.

И хотя за свою нелегкую работу Веласкес получил множество похвал от Филиппа IV, его силы и здоровье оказались подорваны. Вернувшись в Мадрид, шестидесятиоднолетний живописец почувствовал приступ лихорадки. Спасти любимого королевского сановника собрались все лучшие придворные врачи, но никто из них не смог вылечить мастера. 6 августа 1660 года Диего Родригес де Сильва Веласкес скончался.

История и тайна «Менинов» Диего Веласкеса

«Менины» Диего Веласкеса, 1656 г. (общественное достояние через Wikiart)
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Уже более 350 лет ценители искусства восхищаются Las Meninas . Эта сложная картина маслом Диего Веласкеса представляет собой невероятно детализированное изображение жизни при дворе года короля Испании Филиппа IV .Возможно, это одна из самых важных картин во всей истории западного искусства, этот шедевр 1656 года продолжает оказывать влияние на художников сегодня.

Название, которое переводится как Ladies in Waiting , является поворотным моментом в истории искусства для того, как Веласкес оторвался от жестких формальных портретов, которые обычно определяли королевскую семью. На большом полотне изображена инфанта Маргарет Тереза ​​, дочь короля, окруженная свитой, а Веласкес стоит за мольбертом и пишет свой портрет.

Сейчас расположенный в мадридском музее Прадо, Las Meninas является изюминкой в ​​портфолио Веласкеса. Но что же такого особенного в этом шедевре, которое веками интересовало публику? Что делает его таким революционным и что Веласкес пытался передать через картину? Давайте посмотрим, что делает Las Meninas таким культовым, и на какое наследие оно осталось.

Кто такой Диего Веласкес?

«Портрет Иннокентия X», около 1650 года.(Фото: Википедия [Public Domain])

Карьера испанского художника охватывает тот же период, что и великие художники эпохи барокко Италии и Франции, однако он разработал свой собственный стиль.Рожденный в Севилье, его ранние работы наполнены сценами, известными как b odegón. Особенно в Испании, эти картины повседневной жизни размещены на кухне и содержат элементы натюрморта.

Карьера Веласкеса началась, когда он переехал в Мадрид. Когда придворный художник Филиппа умер, Веласкес заполнил эту роль и стал все более известен своими портретами. Веласкес не только смог запечатлеть физическое сходство своих персонажей, но и то, что он использовал свободные мазки для создания текстуры и движения в одежде, было революционным.Его работы окажут большое влияние на более поздних художников, таких как Мане и импрессионистов, которые построили на основе того, что он начал.

«Филипп IV в коричневом и серебряном», около 1631–1632 гг. (Фото: Википедия [Public Domain])

Картина по заказу Филиппа была повешена в его личном кабинете в его летнем дворце. До 1819 года он оставался в королевском дворце, после чего перешел в собрание музея Прадо. Многое из того, что мы знаем о картине, мы обязаны испанскому писателю Антонио Паломино, который посвятил целый раздел своей книги об испанских художниках Las Meninas .Он не только назвал год создания картины, но и определил большинство людей на холсте. Также благодаря Паломино мы знаем, что на нем изображена комната, расположенная в Royal Alcázar . Эта крепость, превращенная во дворец, была резиденцией правителей Габсбургов.

Основные цифры в

Когда так много людей на одном полотне, очень важно понимать, кто каждый из них и какова их роль при дворе Габсбургов.

Юной принцессе было около 5 лет, когда был написан Las Meninas . Хотя у Филиппа было 12 детей от двух его жен, Маргарет Тереза ​​была лишь одной из двоих, доживших до взрослого возраста. Позже она стала императрицей Священной Римской империи, когда вышла замуж за Леопольда I. Здесь ее сопровождают две фрейлины, и она одета во всем великолепии, которое можно ожидать от молодого Габсбурга. Интересно, что ее взгляд не падает ни на одну из фрейлин, а прямо на того, кто стоит за мольбертом Веласкеса.

По обе стороны от Маргарет Терезы стоят ее фрейлины ( менин). Изабель стоит слева от юной принцессы, готовая сделать реверанс. Мария Агустина вместо этого становится перед ней на колени и предлагает ей что-нибудь выпить на подносе.

Два гнома — немец Барбола и итальянец Пертусато — стоят с правой стороны холста.Нога Пертусато находится на спине собаки, как будто он пытается разбудить ее ото сна. Собака — прекрасный образец испанского мастифа, которого разводили как сторожевых собак и охраняли отары овец. Гномы играли важную роль при дворе Филиппа, и их известность подчеркивается многочисленными портретами придворных гномов Веласкеса.

Сразу за Изабель де Веласко стоит компаньонка Маргарет Тереза ​​Марсела де Уллоа.Она одета в траур и болтает с неизвестной фигурой, которая, вероятно, является телохранителем.

Камергер королевы Хосе Ньето выделяется на портрете благодаря его помещению в дверном проеме. Ньето был также руководителем гобеленов при дворе и, возможно, был родственником Веласкеса. Похоже, он отодвигает занавеску в дверном проеме, возможно, чтобы впустить больше естественного света, пока художник работает.

Хотя может быть не сразу понятно, на кого смотрит юная Маргарет Тереза, внимательные наблюдатели заметят пару, отраженную в зеркале в задней части комнаты.Здесь мы видим фигуры короля Филиппа IV и его королевы Марианы Австрийской. И если учесть, что мы также видим, как Веласкес рисует за мольбертом, все становится яснее — она ​​смотрит на своих родителей. Использование зеркал и отражения в картине, скорее всего, связано с влиянием Яна Ван Эйка Портрет Арнольфини . Написанный в 1434 году, этот шедевр Северного Возрождения висел во дворце Филиппа, так что Веласкес наверняка его видел.

Хотя художники, конечно, нередко включают себя в картины — Рафаэль показал себя в Афинская школа — Веласкес отводит своему автопортрету видное место в живописи.Мало того, что Las Meninas происходит в его художественной студии в Алькасаре, но все в работе вращается вокруг действий художника. Работая не только придворным художником, но и хранителем обширной коллекции произведений искусства Филиппа, Веласкес играл жизненно важную роль в культурной жизни двора. Здесь испанский художник показывает себя перед холстом, работающим над портретом королевской четы.

Что означает

Очаровательная картина помещает зрителя в положение короля и королевы.Этот интересный поворот делает смотрящего на картину и зрителем, и участником. Конечно, изначально зрителем должен был быть Филип, поскольку он висел в его кабинете. Учитывая это, Las Meninas показывает зверинец персонажей, которые были бы важны для самого короля.

Некоторые историки искусства рассматривали эту работу как способ Веласкеса продемонстрировать свою важность при дворе. Поднявшись над «механическим» искусством рисования, он показал свое достоинство.Это было бы важно, если учесть небольшую деталь в том, как художник изображает себя.

Красный крест на его груди — символ Ордена Сантьяго, престижного религиозного и военного ордена. Чрезвычайно труднодоступный, он был допущен к ордену в 1659 году по указу короля. Хотя когда-то считалось, что он добавил крест на грудь позже, новые исследования показывают, что это не так. Могло ли быть так, что художник продвигал свои собственные планы до своего рыцарского звания?

Историк искусства Джонатан Браун, ведущий специалист по Веласкесу, выдвинул другую теорию.Он утверждает, что картина была написана между тем, как художник был посвящен в рыцари в 1659 году и когда он помогал Филиппу в важной политической поездке во Францию ​​в 1660 году. Браун предположил, что Las Meninas было своего рода благодарственным подарком королю Филиппу за рыцарство Веласкеса.

Как бы то ни было, Las Meninas остается интригующим в сложной игре между художником, моделью и зрителем. Кто на кого смотрит? И почему? Это неразгаданная тайна, которая восхищает любителей искусства.

Влияние

«Дочери Эдварда Дарли Бойта» Джона Сингера Сарджента, 1882 г. (Фото: Википедия [Public Domain])

В то время как работы Пикассо и Дали служили непосредственной данью уважения своим собратьям-испанцам, другие художники брали уроки Las Meninas и использовали их для улучшения своих портретов. Самый известный пример — картина маслом Джона Сингера Сарджента 1882 года « Дочери Эдварда Дарли Бойта». Использование пространства Сарджентом, переход от темного фона к светлому переднему плану, а также его свободные мазки и композиция фигур определенно повлияли на Las Meninas .

Статьи по теме:

История шедевра пуантилистов Сера «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт»

Как Делакруа уловил революционный дух Франции в «Свобода, ведущая народ»

Как эта картина породила движение импрессионистов

15 фактов, которые вам нужно знать о восхитительно странном «Саду земных наслаждений»

Почему «Las Meninas» продолжают вводить в заблуждение

Итак, что означает

Мы знаем, что Las Meninas предназначалась для короля и сначала висела в его личном кабинете в его летних покоях.Итак, когда он стоял перед ней, он выполнял ее предпосылку. Но дата картины усложняет то, что именно задумал Веласкес с этой массивной работой.

Ранняя инвентаризация королевской коллекции, составленная после смерти короля Филиппа IV в 1666 году, упоминает картину Веласкеса 1656 года, изображающую Маргариту с ее фрейлинами и карликом. Многие считали, что в этой записи упоминается работа, известная нам сегодня как Las Meninas . Описание подходит — и, поскольку принцесса родилась в 1651 году, а в Las Meninas ей, кажется, пять или шесть лет, даты также совпали.Но эта интерпретация осложняется красным крестом Сантьяго, нарисованным на груди Веласкеса: хорошо известно, что художник не был посвящен в рыцари до ноября 1659 года.

Начиная с Паломино, различные ученые предположили, что красный крест был добавлен к картине в более поздняя дата, согласно инструкциям короля. Паломино, по сути, считал, что работа изначально была частью кампании Веласкеса , направленной на достижение рыцарства. Он рассматривал монументальное полотно как пример стремления художника к вечной славе, средство сохранения своего имени и своей связи с королевской семьей.«Имя Веласкеса будет жить из века в век так же долго, как и имя прекраснейшей и прекрасной Маргариты, в тени которой увековечен его образ», — писал Паломино.

Картина хранилась в королевском дворце до 1819 года, когда ее перевезли в Прадо. Но даже до этого те немногие привилегированные, кто видел это, отметили новизну художника, изображающего себя рядом с королевской семьей. «Картина больше похожа на портрет Веласкеса, чем на императрицу», — прокомментировал португальский писатель Феликс да Кошта, увидев La Meninas в 1696 году.Первоначально картина была описана как картина семьи Филиппа IV, но в 1843 году она была названа Las Meninas , чтобы подтвердить ее статус как нечто большее, чем традиционный семейный портрет.

В наше время реставраторы, изучавшие картину, уверяют нас, что нет двух отдельных слоев краски. Таким образом, крест был частью оригинальной картины — свидетельство, которое привело к новым теориям. Хотя большинство ученых продолжают датировать картину 1656 годом, Браун предложил скорректированную временную шкалу для Las Meninas .Он помещает создание картины между 28 ноября 1659 года, когда Веласкес был посвящен в рыцари, и апрелем 1660 года, когда он помог королю в экспедиции в Пиренеи для встречи с французами. Учитывая это, Веласкес создал Las Meninas всего за четыре месяца. Браун утверждает, что Las Meninas было благодарственным подарком для короля после того, как Веласкес был введен в сан Сантьяго — высшая честь.

Сегодня широко известно, что сценарий, который мы видим, является вымышленным.Веласкес, безусловно, наблюдал каждую часть картины воочию, но он спроектировал их вместе, сплетая повествование в соответствии со своими собственными целями. «Факт превращается в вымысел», — пишет Браун. Работа — «чисто плод воображения художника».

Зеркало — одна из нескольких давних загадок. Ученые не уверены, отражает ли он настоящих короля и королеву или нарисованный портрет пары, который появляется на холсте, над которым работает Веласкес. Из-за того, как художник играл с перспективой в своей работе, можно было привести аргументы в пользу любого сценария; несколько ученых приложили немало усилий, чтобы изучить масштаб, геометрию и перспективу Las Meninas .

В эссе 2002 года Сюзанна Л. Страттон-Прюитт собрала различные подходы к интерпретации произведения в 20 веке — от аллегорических чтений до исследований его физической структуры. Ученые и писатели, такие как Мишель Фуко, использовали картину как корм для своих интеллектуальных поисков. Пожалуй, самый убедительный аргумент — Las Meninas — это праздник благородного искусства живописи.

«В начале 21 века, — заключает Стрэттон-Прюитт, — несмотря на все его анализы, Las Meninas так или иначе ускользает от нас.”

Истинный смысл Лас Менинас Веласкеса | арт

В годовщину со дня рождения Веласкеса мы рассмотрим композицию и техники, использованные в его самой известной картине

Семейные портреты часто не самые захватывающие снимки для просмотра или съемки. Однако испанский старый мастер Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес, родившийся в этот день 6 июня 1599 года, сумел превратить один весьма своеобразный домашний портрет в одну из самых любимых и широко анализируемых картин в истории западного искусства.

«Одно из самых известных и противоречивых произведений искусства всех времен, Las Meninas (« Служанки чести ») рассматривается как диалог между художником и зрителем, с его двойным зеркальным изображением и схематичной манерой рисования, которая переносит каждую фигуру и объект в комнату жизнь », — объясняет наша книга« 30 000 лет искусства ».« Такие разные художники, как Гойя, Мане, Сарджент и Пикассо, были вдохновлены на создание копий и адаптаций шедевра Веласкеса ».

«Инфанта Маргарита из Испании стоит между двумя своими фрейлинами, доньей Изабель де Веласко и доньей Марией Августиной Сармьенто, которая делает реверанс маленькой принцессе, предлагая ей стакан с водой.Справа стоят два гнома, Мари-Барбола и Николас де Пертусато, последний из которых осторожно толкает ногой спящего бычкового мастифа, чтобы собака оказала помощь своему хозяину и хозяйке Филиппу IV из Испании и королеве Мариане. Король и королева отражаются в зеркале в задней части комнаты, когда они стоят под красной занавеской и позируют придворному художнику, самому Веласкесу.

Фрагмент из оперы «Менины» (1656 г.) Диего Веласкеса

Художники раньше работали с зеркалами и включали себя в свои картины.Итак, в чем же смысл La Meninas и что делает его таким особенным? Четкого ответа нет, но в своей книге «История искусства» Э. Х. Гомбрих предполагает, что в этом шедевре «Веласкес задержал реальный момент времени задолго до изобретения камеры. Возможно, принцессу привели в королевское присутствие, чтобы избавить от скуки сидения, и король или королева заметили Веласкесу, что это достойный предмет для его кисти », — объясняет Гомбрих. «Слова, сказанные сувереном, всегда рассматриваются как приказ, и поэтому мы, возможно, обязаны этим шедевром мимолетному желанию, которое только Веласкес смог воплотить в реальность.”

30 000 лет искусству

Чтобы узнать больше от этого великого историка искусства, закажите копию «Истории искусства» Э. Х. Гомбриха здесь; чтобы узнать больше о месте La Meninas в истории искусства, получите 30 000 лет искусства.

История искусства

Все, что вы должны знать о «Лас Менинас» Веласкеса

Это одна из крупнейших картин Веласкеса, в которой он очень много работал, чтобы создать сложную и достоверную композицию, которая передала бы «чувство жизни». Las Meninas, , что в переводе с испанского означает The Ladies in Waiting, , является одним из самых известных шедевров в истории искусства. И один из самых загадочных!

Его загадочная композиция вызывает множество вопросов и создает сверхъестественные отношения между зрителем и изображенными фигурами. Из-за всего этого Las Meninas было одним из наиболее широко анализируемых произведений в западной живописи.

Но есть кое-что, что мы знаем наверняка.Вот и они — все, что вы должны знать о Las Meninas .

1. Познакомьтесь со всей командой

Las Meninas был написан в 1656 году в Cuarto del Príncipe в Алькасар в Мадриде, комнате, изображенной на работе. Мы можем идентифицировать большинство членов придворной службы, сгруппированных вокруг инфанты Маргариты, которую посещают две из менин королевы или фрейлины: Мария Агустина Сармьенто и Изабель де Веласко.Мы также видим самого художника, работающего над большим холстом, гномов Мари Барбола и Николасито Пертусато (для дворов того времени было характерно наличие гномов), мастифа с неизвестным именем и фрейлины Марселы де Уллоа стоит рядом с guardadamas (дежурный), а канцлер Хосе Ньето стоит в дверном проеме на заднем плане. В зеркале отражены лица Филиппа IV и Марианы Австрийской, родителей Инфанты. Они наблюдают за происходящим.

2. Это НЕ королевская картина

Хотя в середине композиции мы видим Инфанту, а также королевскую чету в зеркале, эта картина не является королевской картиной. Королевские портреты традиционно формальны, изображая их предметы изолированными. Но здесь фрейлины, в честь которых названа картина, окружают юную принцессу, как и группа сослуживцев. Это не что иное, как взгляд из-за кулис испанского двора. Собственно, картина больше жанровая, но с королевским антуражем.

3. Здесь вы можете увидеть самого Веласкеса!

Для Веласкеса это был смелый шаг — изобразить себя в Las Meninas. Тебе нужно было набраться смелости, чтобы поставить свой автопортрет на королевский заказ. Слева можно увидеть художника с кистью в руке.

4. Картина была посмертно изменена по королевскому приказу.

В то время как Филипп IV осыпал Веласкеса почестями во время его долгой службы при дворе, он отдал ему самую долгую дань уважения после смерти художника в 1660 году, через год после того, как Веласкес был введен в должность. в католическую организацию Орден Сантьяго.К его чести, Филипп IV приказал добавить знак ордена на грудь фигурки Веласкеса Las Meninas . Некоторые историки даже утверждают, что это последний штрих нарисовал сам король, но это похоже на легенду.

5. Имеются отсылки к истории искусства.

Здесь есть важная референция историко-художественного характера, которая выражается через присутствие самого художника и картин, висящих на задней стене, в то время как включение зеркала делает эту работу рассмотрением акта видения.Отражение в зеркале — это постоянный художественный мотив, известный со времен Ван Эйка.

6. Название картины менялось несколько раз.

Первое упоминание о картине под названием Las Meninas было найдено в каталоге Музея Прадо 1843 года, через 24 года после открытия Прадо. В инвентаре 1666 года он упоминается как Retrato de la señora emperatriz con sus damas y una enana ( Портрет императрицы с ее дамами и гномом ).Затем, после пожара 1734 года, он назывался La familia del Señor rey Phelipe Quarto и до окончательной смены названия назывался La Familia .

7. Это было и остается суперславным.

Лас Менинас уже давно признан одним из самых важных полотен в истории западного искусства. Художник эпохи барокко Лука Джордано сказал, что она представляет собой «богословие живописи», а в 1827 году президент Королевской академии художеств сэр Томас Лоуренс описал эту работу в письме своему преемнику Дэвиду Уилки как «истинную философию искусства».Надо признать — нам это тоже нравится.

8. Проблема с цветами

В последние годы картина потеряла текстуру и оттенок (пигменты в костюмах менин потускнели) из-за воздействия загрязнения и большого количества посетителей. Последний раз картина подвергалась очистке в 1984 году, чтобы удалить «желтую пелену» пыли, скопившуюся на ее поверхности с момента предыдущей реставрации в 19 веке. Однако уборка вызвала протесты не потому, что картина каким-либо образом была повреждена, а потому, что она изменила внешний вид картины.

14 вещей, которые нужно знать о «Менинах» Веласкеса

На первый взгляд картина Диего Веласкеса 1656 года Las Meninas может показаться просто очередным портретом ансамбля. Но затем ваш взгляд зацепляется за любопытную деталь. Вскоре вы не сможете отвести взгляд, запертый в поисках улик, которые долгое время очаровывали и разочаровывали искусствоведов.Давайте углубимся в тайну.

В его центре находится инфанта Маргарита Тереза, которая впоследствии станет императрицей Священной Римской империи, супругой эрцгерцогини Австрии и супругой королевы Венгрии и Богемии. Ее правление длилось с 1666 по 1673 год, когда она умерла в возрасте 21 года. Хотя она была предметом многих портретов, в том числе нескольких портретов Веласкеса, Las Meninas — самый известный.

Портреты традиционно носят формальный характер, изображая их предметы изолированными. Но здесь фрейлины, в честь которых названа картина, окружают юную принцессу, как и группа сослуживцев. Las Meninas — это взгляд из-за кулис испанского двора. Эта перспектива повседневной жизни часто ассоциируется с жанровой живописью; через этот союз сеттинга и сюжета Веласкес создал жанровый шедевр.

Над головой принцессы вы заметите рамку из темного дерева. Внутри него можно увидеть две фигуры. Это ее отец и мать, король Испании Филипп IV и Мариана Австрийская.

Несмотря на то, что он был первым художником короля, для Веласкеса все же было смелым шагом нарисовать себя в Las Meninas , что превратило королевский заказ в автопортрет.Но это он слева с кистью в руке. Ранее в этом году BBC назвала это включение «первой в мире фотобомбой», хотя картина предшествовала фотографии почти на 175 лет.

Помимо короля, королевы, принцессы и художника, на картине изображен камергер королевы, дон Хосе Ньето Веласкес (возможно, родственник художника), которого можно заметить на лестнице. На Маргарет Терезе обожают дамы в ожидании — донья Мария Агустина Сармьенто де Сотомайор (слева) и донья Изабель де Веласко (справа).Через плечо последней заглядывает донья Марсела де Уллоа, назначенная сопровождающая маленькой принцессы, которая беседует с телохранителем, имя которого потеряно для истории (но некоторые современные ученые полагают, что это мог быть Диего Руис де Аскона). В правом углу — Мария Барбола и Николас Пертусато, которых чаще всего называют «гномами» при дворе. Имя мастифа также неизвестно.

Один из самых больших вопросов о Las Meninas касается холста, обращенного в сторону от зрителя.Некоторые ученые думают, что обрамленное изображение короля и королевы на заднем плане — это не портрет, а зеркало, отражающее королевских особ, стоящих перед принцессой и художником — только вне кадра — позирующих, чтобы их увековечили масляными красками.

Другая теория утверждает, что положение королевской пары не соответствует взгляду Веласкеса, и поэтому они не могут быть его подданными. Возможно, эта королевская пара присоединилась к своей дочери в восхищении творчеством художника, поскольку Веласкес, кажется, надеется, что публика Las Meninas понравится.А может быть, принцесса и художник смотрят в большое зеркало, которое позволяет ему изобразить девушку, в то время как ее внимательное окружение поддерживает ее в хорошем настроении.

Независимо от того, смотрит ли король или позирует, эти теории предполагают, что Веласкес намеренно обрамил картину так, чтобы ее зрители смотрели с точки зрения королевской семьи, отраженной в этом зеркале. По сути, глядя на эту картину, вы попадаете в шкуру правителя Испании 17 ^{-х годов} века.

Филипп IV хранил Las Meninas в своем личном кабинете, где немногие посторонние имели удовольствие наслаждаться его великолепием.

В то время как Филипп IV осыпал Веласкеса почестями при жизни художника, король воздал ему самую долгую дань уважения после смерти художника.В 1660 году, через год после того, как Веласкес был принят в католическую организацию Орден Сантьяго, художник умер. В его честь король приказал добавить знак ордена на грудь фигурки Веласкеса Las Meninas . Некоторые историки даже утверждают, что это последний штрих нарисовал сам король.

Las Meninas имеет размеры примерно 10,5 на 9 футов.

Музей Прадо открылся в 1819 году с заявленной целью показать миру ценность и славу национального искусства. Первоначальная коллекция музея поступила прямо из сундуков Королевской Короны, и, поскольку Веласкес при жизни был хранителем коллекции произведений искусства короля, многие из его собственных работ попали в нее. И все же Las Meninas — это сияющая жемчужина Прадо и, наряду с Гойи «Третье мая 1808 года» , одна из самых известных работ в его коллекции.По этой причине картина никогда не передается в аренду.

Первое упоминание о картине под названием Las Meninas было найдено в каталоге Museo del Prado 1843 года. В инвентаре 1666 года он упоминается как Retrato de la señora emperatriz con sus damas y una enana ( Портрет императрицы с ее дамами и гномом ). Затем, после пожара 1734 года, он назывался La familia del Señor rey Phelipe Quarto и до окончательной смены названия назывался La Familia .

Инвестиции в Эль Прадо окупились и сделали испанское искусство популярным в Европе XIX века. Это также способствовало повышению осведомленности о талантах Веласкеса за пределами испанского двора. Своими работами, доступными для публики, Веласкес вдохновил новое поколение художников, включая французского художника-реалиста Гюстава Курбе, Эдуарда Мане и основателя американского тонализма Джеймса Эбботта Уистлера.

Поместье Кингстон Лейси в Дорсете может похвастаться уменьшенной версией картины, которая окутана почти такой же загадочностью, как и знаменитый холст. Тайна зависит от того, кто и когда нарисовал эту копию. Некоторые ученые утверждали, что картина Дорсет была работой самого Веласкеса, и предполагали, что меньшая часть могла быть моделью для культового сокровища Прадо. Другие утверждают, что полотно, скорее, является немного более поздней копией художника, который был уникально приспособлен для имитации стиля Веласкеса: его зятя Хуана Баутиста Мартинеса дель Мазо, который сменил Веласкеса на посту королевского художника Испании.

Las Meninas — Испанская культура

Las Meninas

Самая известная и обсуждаемая картина Диего Веласкеса — фантастический и необычный семейный портрет «Las Meninas».

Написанный в 1656 году, этот необычный фрагмент королевского двора семнадцатого века продолжает изучаться и сегодня студентами, критиками и учеными. Расшифровать истинный смысл Las Meninas невозможно, и кажется, что это было именно намерением Веласкеса.Многие вопросы остаются без ответа, что позволяет каждому зрителю сделать свои собственные выводы относительно истинного смысла и намерений картины.

Безвременье Las Meninas прекрасно передано Веласкесом, потому что он затронул тему, которая никогда не потеряет свою популярность. Нарушая нормы традиционных портретов, Веласкес предпочитает показывать нам «за кулисами» Королевского двора. Так же, как сегодня люди лупят журналы о знаменитостях, человеческая природа всегда имела склонность к любопытству.Будь то семнадцатый век или двадцать первый, никто не упустит возможность побродить по личным покоям королевской семьи. Тем более в то время, когда королевские портреты, как правило, следовали жестким формальностям, изображая неулыбчивые лица на однообразном фоне. Веласкес действительно нарушил традицию, позволив миру увидеть немного нормальной жизни во дворце Филиппа IV Испанского. Помимо предоставления зрителю этой привилегированной возможности, Las Meninas также работает над очеловечиванием членов королевской семьи, предполагая, что они были такими же, как и любая другая семья.

Картина, кажется, сосредоточена вокруг Ла Инфанты Маргариты, 5 лет, которая окружена своими фрейлинами (или менин ), семейной собакой и двумя гномами. В то время как внимание большинства людей, кажется, приковано к ней, Веласкес еще раз доказал, что те люди, которых обычно держат «за кадром» (например, фрейлины принцессы), также достойны того, чтобы их рисовали. Об этом свидетельствует тот факт, что картина называется «Менины». Слева от Маргариты мы находим самого Веласкеса с кистью и мольбертом в руке, стоящим перед огромным холстом.Включая себя в основную часть картины, Веласкес утверждает свою позицию художника.

Однако на этом сцена не заканчивается. Самая интригующая часть картины — это тот факт, что Веласкес решил включить короля и королеву только в их туманные отражения в зеркале, висящем на задней стене. Веласкес умело играет здесь с перспективой и, следовательно, размывает ясность и очевидность в своей живописи. Его целеустремленная неуловимость не может не вызывать много вопросов.

В первую очередь, , кто он рисует на огромном холсте, который почти касается потолка?

Некоторые критики утверждают, что он рисует сцену прямо слева от себя; это Ла Инфанта Маргарита и ее «Менины». Если это так, то ее родители, король и королева Испании отстранены, потому что они просто наблюдают за своей дочерью. Однако это означало бы, что Веласкес рисовал юную принцессу сзади, что было бы довольно странно.

Другое мнение состоит в том, что Веласкес рисует короля Филиппа IV и его жену Мариану де Австриас, когда они стоят перед ним.Маргарита просто здесь, чтобы наблюдать за своими родителями. Если это так, то Веласкес, возможно, решил пока оставить реальных субъектов в стороне от действий по нескольким причинам. Во-первых, Филип IV не особенно любил рисовать в последние годы своей жизни, а это означало, что он мог бы потребовать, чтобы его не рисовали подробно.

С другой стороны, использовал ли Веласкес свой статус Дворцового Чемберлена, чтобы играть в силовые игры? Ставя себя на передний план картин и членов королевской семьи в качестве простого отражения, приобретал ли он собственную значимость? Или он думал о зрителе? Если учесть, что любой, кто стоит перед картиной, занимает позицию, которую могли бы занять Филип и Мариана, был ли Веласкес еще одной попыткой очеловечить королевских особ и возвышать обычного Джо, который смотрит на его картину?

На эти вопросы невозможно ответить, но каждый, кто восхищается Las Meninas, должен сделать этот выбор для себя.Кажется, именно так Веласкес задумал интерпретировать свою картину, и именно это делает ее таким прочным и захватывающим произведением искусства.

Вы можете увидеть Las Meninas и принять решение в самой известной галерее Мадрида, Museo del Prado.

Las Meninas, Диего Веласкес

Это потрясающая картина, которая сейчас висит в Национальном музее дель Прадо в Мадриде, Испания. Это холст, масло, размеры примерно 10’5 ″ на 9 футов.

Он представляет собой кульминацию работ и техник, которые художник использовал в более ранних работах. Зеркало в его Rokeby Venus и в Христос в доме Марфы и Марии , мы видим аналогичный тип взаимодействия переднего и заднего плана, с Марией и Марфой на переднем плане, с Христом и его учениками на заднем плане. .

Las Meninas — одно из величайших произведений искусства Веласкеса. Он был написан в 1656 году и Las Meninas означает просто «фрейлины». Это произведение, которое действительно отмечает высший класс, как мы видим в центре композиции, белокурую инфанту Маргариту. Она была дочерью короля Филиппа IV и королевы Испании Марианы. На картине девушка изображена не в царственном наряде (короны для начала нет), а в обстановке мастерской художника, когда она сама пишет.На ней изображены ее слуги, пара гномов, две взрослые фигуры и лежащая собака на переднем плане.

На заднем плане мы видим зеркало, предположительно с ее родителями, стоящее там, где должен был быть зритель картины. Художник запечатлел отражение и свет, падающий в нижнюю правую часть этого зеркала, необычайно. Мы также видим фигуру дона Хосе Ньето Веласкеса, камергера королевы, смотрящего на свиту.Он был главой королевских гобеленов того времени, поэтому, без сомнения, пришел проверить статус произведения.

Мы также можем видеть, что художник (сам Веласкес) смотрит со своего большого холста, чтобы посмотреть в зеркало и нарисовать отражение всей сцены. Поэтому мы и видим его на картине. Это любопытная, но очень интересная перспектива для рисования.

Эта картина не предназначалась для публичного показа, она предназначалась в первую очередь для личного кабинета короля, и это отражается в очень непринужденной и удобной обстановке, в отличие от обычных преднамеренно поставленных картин, которые мы обычно видим на изображениях королевской семьи.

Конечно, для королевской семьи размер чрезвычайно важен, и эта картина превышает 10 футов на 9 футов. Это символ ранга и отличия, не говоря уже о том, что вы можете заказать, а затем владеть такой вещью. В дополнение к этому престиж человека, обладающего навыками и способностями Веласкеса, также является важным фактором в изображении такой щедрости.

Комментарий

В центре внимания этой картины, конечно же, белокурая инфанта Маргарита. Это показано, во-первых, ее центральным положением, а во-вторых, светом, падающим на нее.Ее платье почти белое, что делает ее центральной фигурой и самой важной фигурой во всем наряде.

По обе стороны от нее находятся ее фрейлины, которые заботятся о ней и следят за тем, чтобы, хотя она расслабилась и чувствовала себя комфортно, она оставалась достаточно красивой и хорошо одетой.

Гномы и двое взрослых (вероятно, сопровождающие), стоящие за девушкой и ее служанками, служат для создания прекрасного асимметричного баланса напротив Веласкеса и его большого холста и еще больше подчеркивают важность центральной фигуры девушки.

Это величественная картина, и пока свет заливает передний план, мы видим, насколько величественна комната на заднем плане среди ее теней. На этом фоне мы видим формы других больших картин, и сцена усложняется двумя зеркалами. Мы можем видеть одну на задней стене, но что касается другой, мы на самом деле занимаем эту выгодную позицию.

Вся сцена, конечно же, изображена в большом зеркале, и мы можем только предположить, что оно очень велико, чтобы отражать огромные размеры комнаты.

Сложность росписи действительно потрясающая. Фигуры почти в натуральную величину, то, как использовалось освещение, и то, как окружающие фигуры были нарисованы в значении для Инфанты, весьма примечательны. Иллюзия реальности поистине исключительна, и ни Веласкес, ни его современники не могли воспроизвести ее.

О художнике

Диего Веласкес крестился 6 июня 1599 года в Севилье, Испания. После его смерти в Мадриде 6 августа 1660 года он стал самым важным художником Испании 17 века.Его натуралистический стиль стал краеугольным камнем его исключительного дара видеть все и переносить это на холст. Он был мастером и живого, и натюрморта.

Он прибыл в Мадрид в 1622 году, через год после того, как король Филипп IV взошел на престол, в надежде на королевское покровительство. К сожалению для него, в это время не было возможности. Написав портрет поэта Луиса де Гонгора, он вернулся в Севилью.

В следующем году премьер-министр граф Оливарес попросил его вернуться в Мадрид, который впоследствии стал его покровителем.Во время этого визита у него наконец появилась возможность нарисовать портрет короля, и с тех пор он стал личным художником короны.

Влияние

Влияние этого произведения искусства огромно. Сам Пабло Пикассо написал около 58 версий сцены и ее фигур, все из которых можно увидеть в зале Las Meninas Музея Пикассо в Барселоне.

Франсиско Гойя, нарисовал Карл IV Испанский и его семья аналогично Las Meninas в своей мастерской, хотя в нем очень не хватало теплой и непринужденной обстановки первого.

Резюме

Las Meninas — действительно одна из, если не величайшая картина, когда-либо созданная Веласкесом, благодаря своему огромному размеру, использованию освещения, фокусу и множеству деталей, но никогда не забывая об исходной идее рисования через зеркало.