Музыкальное движение — Психологос
Музыкальное движение – это метод музыкального воспитания, личностного развития и обучения свободному танцу. Он одинаково пригоден как для детей, так и для взрослых (метод адаптирован для разных возрастных групп) и рассчитан, главным образом, на здоровых людей, хотя есть успешные попытки применить его элементы в работе с проблемными детьми, например, страдающими аутизмом. Занятия проходят в группах, всегда под живую музыку (инструментальную или вокальную). В качестве музыкального материала используются специально подобранные фрагменты классических произведений и народных песен (музыка может быть разной, но исторически метод был разработан именно на таком музыкальном материале).
От занимающегося требуется двигаться только вместе с музыкой: начинать движение с её началом и заканчивать точно с окончанием. Движение должно отражать характер музыкального фрагмента – контрастность, текучесть, порывистость и т.д., — иначе говоря, занимающийся должен найти в музыке угадывающееся там движение.
Правильное выполнение упражнения заключается не в копировании двигательной формы, а в её воссоздании, для чего занимающийся должен услышать, прочувствовать и присвоить – «взять внутрь» — музыкальное произведение со всеми его особенностями. Только тогда пластический жест занимающегося совпадет с музыкальной интонацией произведения и отольется в эстетически совершенную и эмоционально убедительную музыкально-двигательную форму. Задача эмоционального выслушивания музыки и перевода её в движения собственного тела служит импульсом для развития музыкальности и личностного роста.
Упражнения тренажа разделены по уровню сложности на три группы – от таких, в которых связь музыки с движением лежит на поверхности, до тех, где она не очевидна.
Поднимаясь с одного уровня на другой, занимающийся в одно и то же время осваивает содержание все более сложных музыкальных фрагментов и овладевает более сложными движениями. Важной частью метода являются самостоятельные работы занимающихся – их собственная пластическая интерпретация предлагаемых музыкальных произведений. В созданной Гептахором пластике подчёркиваются центральные характеристики музыки – дыхательность, текучесть, пружинность. Метод, первоначально созданный как часть музыкального воспитания, используется также в танцевальных практиках, в особенности для обучения двигательной импровизации и свободному, или пластическому танцу.
Из истории музыкального движения
Музыкальному движению скоро исполнится сто лет. Вдохновительницей этой традиции была Айседора Дункан, а создательницами – Стефанида Руднева и её подруги с Бестужевских курсов. Увидев в первое десятилетие ХХ в. гастрольные выступления Дункан в России, они решили, не подражая ей буквально, делать нечто близкое по духу: пластически исполнять музыку.
Метод музыкального движения и развитие музыкальности
Существует мнение, что музыкальность дана от рождения» и является довольно редким качеством (некоторые утверждают, что она присуща только одному ребёнку из 10) и не зависит от полученного человеком музыкального образования.
Тем не менее, если под музыкальностью понимать не аналитический, звуковысотный слух, а слух интонационный – т.е. способность слышать экспрессию музыкального произведения, а также мотивационные компоненты — любовь к музыке, способность откликаться на неё эмоционально, желание слушать и заниматься ею, то невозможно отрицать, что она поддается развитию. Метод музыкального движения помогает развить музыкальность через пластический жест: научиться понимать выразительность музыки и тем самым проникнуть в её глубинную суть, которая сама восходит к движению.
Музыкальное движение – это способ чувственно-телесного восприятия музыки, её пластического анализа. Занимающийся овладевает языком музыки непосредственно на практике, без изучения структуры музыкального произведения или техники игры на инструменте. Он учится говорить на музыкальном языке подобно тому, как учится говорить на родном языке ребёнок: не заучивая грамматику, а естественным путём, в общении и игре. Этот метод даёт, по выражению Т.
Адорно, «хорошего слушателя»: понимающего музыку непосредственно, и не только церебрально, а умным телом. В результате такой подготовки формируется способность выражать пластически самые сложные параметры музыкального произведения: не только метр (чем часто ограничиваются танцоры), но и мелодию (голос, напевность), гармонию (краску движения), ритм, мажор-минор (светлое, радостное – темное, грустное), акцент (органный пункт, силу звучания, многоголосие).
Метод музыкального движения — ГЕПТАХОР
Музыкальное движение является традицией, которая по праву может считаться культурным наследием и достоянием нашей страны. Это уникальное направление свободного импровизационного танца сумело пережить периоды гонений и показало свою жизнеспособность во времена духовных кризисов. Музыкальное движение как метод эстетического воспитания стоит в одном ряду с такими системами, как ритмика Э. Жак-Далькроза, элементарное музицирование К. Орфа, система музыкального воспитания З. Кодаи и др.
Интерес у специалистов к практике музыкального движения всегда был неизменен, как неизменна и та высокая оценка, которая ей давалась.
Музыкальное движение – это система свободного танца, в которой существует оригинальная теория выразительного движения, разработана техника и психотехника музыкально-двигательной импровизации, разработан подход к анализу музыки пластическими средствами, представлена уникальная теория и практика обучения музыкально-двигательной импровизации. По своему содержанию музыкальное движение представляет собой пластическое осмысление и воплощение музыкального произведения, результатом и итогом которого является создание музыкально-двигательной формы.
Центральные понятия:
- переживание музыки в движении
- вживание в музыку
- музыкально-двигательная форма
- импровизация как ответ на музыку
- двигательный и эмоциональный отклик на музыку
Отличие от других направлений свободного танца:
- обращение к музыке как источнику и содержанию танца
- отказ от идеи самовыражения в танце
- приверженность идее выражения музыки в движении
Музыка понимается не столько в субъективных, сколько в объективно-структурных категориях, выражающих пространственно-временные отношения и переживания, скрытые в музыкальном тексте и не совпадающие прямо с его фактурой.
Выявить эти скрытые связи и музыкальные смыслы помогает музыкально-двигательная импровизация – действенное проживание и переживание музыки, активное вслушивание посредством пластического выражения и движения в звучащую музыку.
Техника движения основана на принципах:
- целостности и центрированности движения
- гармоничном протовопоставлении различных частей тела
- динамическом (неустойчивом) равновесии
- обращении к дыханию как главному источнику и регулятору выразительного движения
- в практике музыкального движения раскрываются выразительные возможности естественных видов движения ( ходьба, бег, прыжки и др.)
- техника движения неотделима от психотехники музыкального переживания
В практике обучения музыкальное движение отказывается от механической тренировки и разучивания движения без музыки под счет, использует музыкально-двигательный тренаж, ориентировано на творчество и самостоятельность, импровизацию и раскрытие индивидуальных возможностей.
Занятия музыкальным движением нацелены на приобретение навыков активного вслушивания и действенного проживания музыки. Основы метода музыкального движения заложены исторической студией «Гептахор» (1914-1934), далее практика и теория музыкального движения разрабатывалась С. Д. Рудневой (1889-1989), ее учениками и последователями. Выдающиеся педагоги музыкального движения: Л. С. Генералова, Э. М. Фиш, О. К. Попова.
В настоящее время существуют последователи в России и за рубежом.
Что такое движение в музыке? Определения, примеры и композиторы
Если вы когда-либо посещали живой симфонический концерт, вы, вероятно, замечали, что музыканты время от времени делают паузы между большими секциями. Эти паузы на самом деле имеют важное назначение: они обозначают переход между одним сегментом — или движением — к другому.
Как правило, движения работают независимо. Каждый сегмент имеет свое начало и конец, ритм и форму.
Симфонии, сонаты, концерты и камерные произведения часто используют движения в своих произведениях.
В этой статье мы с вами погружаемся в мир музыкальных движений. Что такое движение в музыке и каково его значение? Давай выясним!
Что такое движение в музыке?
В музыке движение относится к независимым разделам классической музыки , которые являются частью более крупной композиции.
Спектакли с несколькими движениями, хотя иногда и исполняются по отдельности, всегда должны исполняться последовательно. Для этих разделов нет установленной длины, некоторые могут быть очень короткими, другие очень длинными.
Какие части движения в музыке?
Музыкальная часть обычно состоит из четырех частей: вступительной части, второй части, третьей части и заключительной части.
Вступительная часть
Вступительная часть, также известная как первая часть или быстрая часть , следует формуле сонатных форм — экспозиция, развитие и реприза.
Проще говоря, темы вводятся в начале (изложение), развиваются различными способами (развитие) и повторяются в той или иной форме (резюме).
Обычно вступительные движения яркие и оптимистичные. Вот почему его часто называют аллегро, что в переводе с итальянского означает «веселый».
Вторая часть
Вторая часть, также известная как медленная часть , следует за шумностью первой части, за исключением того, что она намного медленнее и мягче, меланхолична и вежлива.
В этой части не предполагается сонатная форма. Хотя нет особого правила, согласно которому вторая часть должна быть непосредственно связана с вступительной частью, это часто имеет место в большинстве симфоний.
Общие обозначения темпа во второй части включают adagio (по-итальянски «медленно») и andante (по-итальянски «умеренно медленно», т.
е. двигаться в темпе ходьбы).
Вторая часть Луизы Фарренк в « Симфония № 3 соль минор, соч. 36 » — прекрасный пример традиционного секундного механизма. Он начинается с тихого звона валторн, за которым следует медленная мелодия кларнета. Движение набирает обороты и напряжение по мере того, как оно продолжается, прежде чем изящно скользить обратно вниз.
Третье движение
Третье движение выполняется двумя способами.
Первый, он принимает форму менуэта : медленного и величественного , обычно в тройном такте.
Во-вторых, он принимает форму скерцо (прямо переводится как «шутка»): живой, шумный и юмористический, напоминающий неловкую крестьянскую танцевальную форму формы.
Обычно третьи части следуют музыкальной схеме «раз-два-три, раз-два-три».
Во многих экспериментальных симфониях третья часть начинается с менуэта или скерцо перед переходом к трио.
В других случаях трио попадает между скерцо или менуэтом.
Таким образом, типичная третья часть появляется в одном из четырех сценариев:
- Менуэт — Трио — Менуэт
- Скерцо — Трио — Скерцо
- Скерцо — Скерцо — Трио
- Менуэт — Менуэт — Трио
Заключительные движения
Заключительное движение очень похоже на первое движение, за исключением быстрее и эффектнее . Он сильный, напористый и торжествующий, часто играемый с различными повторяющимися частями и ритмами.
В конце концов, именно здесь композитор собирает все воедино; приближаясь к кульминации, которая вызовет бурные аплодисменты или продолжительные аплодисменты. Это громко и мощно, с полным оркестром. Завершить вечер на ура, так сказать.
Заключительная часть часто исполняется в форме сонаты, формы рондо или более сложной комбинации этих двух форм. Исполнители делают все возможное, чтобы заслужить энтузиазм публики.
Может ли симфония состоять из более чем четырех частей?
Да, в симфонии может быть столько частей, сколько композитор хочет .
Ни одно правило не говорит, что симфония должна состоять только из четырех частей или даже придерживаться обычных характеристик вышеупомянутых частей.
Вы можете увидеть это в « Фантастической симфонии » Берлиоза. Вместо четырех частей в «Фантастической симфонии» пять. Кроме того, третья часть Symphonie Fantastique — A Scene Set In the Fields — не соответствует традиционному скерцо или менуэту.
Композиция Фазыла Сая « Universe Symphony » состоит из шести частей. Интересно, что Universal Symphony основана на астрономических исследованиях, в частности, на расширении Вселенной, бурях на Юпитере и сверхновой.
Еще один замечательный пример — « L’Histoire du Soldat » Игоря Стравинского, переведенная как «Солдатская повесть». Движения «Истории солдата» названы не по темпу, а как рассказ, разделенный на главы, следующим образом:
- Солдатский марш: 1-я часть
- Воздушный поток: 2-я часть
- Пастораль: 3-я часть
- Королевский марш: 4-я часть
- Маленький концерт: 5-я часть
- Три танца: танго – вальс – рэгтайм: 6-я часть
- Танец дьявола: 7-я часть
- Большой хор: 8-я часть
- Триумфальный марш дьявола: 9-я часть
Полный спектакль «История солдата» идет около часа.
Это среди Величайшие произведения Стравинского .
Может ли симфония состоять менее чем из четырех частей?
Да, некоторые симфонии состоят всего из трех частей, например, сольная пьеса Моцарта « Соната для фортепиано № 8 ля минор ». Это довольно короткая пьеса, исполняемая менее чем за 25 минут.
То же самое можно сказать и о « Концерте для скрипки с оркестром ре минор, соч. 47 », содержащем всего три механизма. С момента исполнения в 1904 году скрипичный концерт Сибелиуса стал скоба для скрипачей и публики .
Одночастные симфонии тоже не редкость.
Музыкальное произведение Сибелиуса, « Симфония № 7 до мажор, соч. 105 », имеет всего одно движение. Точно так же большинство симфоний Аллана Петтерссона составляют единый непрерывный отрезок, а также последние две симфонии Эдмунда Руббры
Имейте в виду, что симфония из четырех частей — это просто традиция , а не правило .
До Бетховена каждый классический музыкант следовал стандартной симфонии из четырех частей. В то время музыкальные «правила» были довольно жесткими.
Но по мере того, как появлялось все больше и больше музыкантов, особенно Гайдн и Моцарт, а также Шуман и Малер, музыкальные симфонии становились более гибкими .
Что такое Cadenza In Concerti?
Каденция (англ. Cadenza) — это особая часть концерта, в которой оркестр прекращает играть, чтобы дать солисту возможность продемонстрировать свои музыкальные способности. Он не идет ни со строгим, регулярным пульсом, ни с помощью дирижера.
Каденция может быть одной из двух вещей: написанной или импровизированной . Иногда каденция включает фоновые инструменты, как это видно из « Концерта для фортепиано с оркестром № 3 » Сергея Рахманинова, но фокусируется преимущественно на ключевой партии.
Обычно каденция находится между второй и третьей частью.
Хотя эта практика исчезла после окончания классического периода, поскольку большинство каденций были написаны композитором заранее, сольные исполнения по-прежнему весьма популярны даже сегодня.
Импровизация каденции была заново изобретена многими современными музыкантами, особенно широко известной интерпретацией Найджела Кеннеди « Четыре сезона » Антонио Вивальди.
Бетховен, который часто писал, исполнял и дирижировал своими произведениями, почти всегда нотировал свои собственные каденции. Однако
Каденции не появляются в музыкальных концертах. В операх Россини и Беллини XIX века на протяжении всего спектакля широко используются вокальные каденции.
Почему композиторы делят свои произведения на части?
Проще говоря, движения подобны главам в книге. Подобно главам книги, движения позволяют слушателям переварить все, что произошло в предыдущем разделе.
Иногда после каждого движения композиторы оставляют короткие паузы, позволяющие музыкантам и слушателям перевести дух. Однако композиторы нередко просят музыкантов немедленно перейти к следующему разделу, даже не намекая на паузу (attacca).
В некотором смысле движения подобны вехам . Каждая веха приближает слушателя к завершению композиции.
Неожиданность возрастает по мере развития сюжета. Они держат слушателей в напряжении, желая узнать, что будет дальше.
Движения также помогают композиторам организовывать и сопоставлять темы. Они особенно важны в более длинных произведениях, где одна тема становится повторяющейся и скучной.
Как обсуждалось в предыдущих разделах выше, движения разделен на четыре основные темы .
Первая часть приподнятая и живая; начало пути. В зависимости от темы, следующей за главным «героем» в первой части, вторая часть может быть медленной или лирической, нежной или вежливой.
Здесь «герой» открывает себя, проходит несколько переходных стадий, готовясь к следующему движению.
Третье движение , где начинается приключение . Он живой, юмористический и почти шумный.
Финальная часть завершается захватывающим взрывом.
Это быстро и яростно, намеренно демонстрируя виртуозное мастерство оркестров.
Не оставляет камня на камне, так сказать. Это дает зрителям повод поаплодировать и встать на ноги.
Почему в музыке движение называется движением?
Движение определяется как акт перемещения; то есть изменение места или положения . В концерте или симфонии редко бывает движение, что делает этот термин более или менее неуместным. Но так ли это на самом деле?
Хотя нет сведений о том, когда термин «движение» был популяризирован в музыкальных концертах и симфониях, самая ранняя ассоциация этого термина исходила от темпа или относительной скорости; т. е. движение, связанное с тактом темпа.
Например, словарь Натаниэля Бейли 1721 определяет движение следующим образом:
- Allegro: термин в музыке (k), когда движение быстрое .
Таким образом, движение, скорее всего, используется для определения темпа определенного раздела.
Действительно, так проще всего описать переход от быстрого к медленному и к очень быстрому (первая, вторая, третья части концерта).
Термин «движение» мог также использоваться в переносном смысле. Люди естественным образом движимы музыкой. Снова и снова было доказано, что это имеет прямую связь с эмоциональным состоянием человека.
Таким образом, по мере того как композитор переходит от одной части к другой, зрителей волнует изменение темпа и ритма в исполнении оркестра.
Часть в концерте и часть в симфонии: в чем разница?
Концерты и симфонии имеют много общего. Во-первых, они исполняются с большим оркестром. Они также были весьма популярны в классическую эпоху — с 1750 года и позже — а также в музыке раннего барокко.
Однако есть несколько характеристик, которые отличают их друг от друга.
Например, концерты традиционно исполняются в трех частях, а не в четырех . Опять же, это не всегда высечено на камне; в одних концертах более пяти частей, в других — менее трех.
То же самое можно сказать и о симфониях, например, в 11-частной части Игоря Стравинского в «Истории солдата».
Хотя оба выступления следуют формальным музыкальным структурам, классические концерты часто включают каденции между частями. Симфонии нет; вместо этого они редко делать паузы между движениями и выполнять одним блоком.
Типичная трехчастная структура концертов следующая:
- Первая часть: Престо или аллегро; бойкий и живой
- Вторая часть: Ленто или адажио; медленно и лирично
- Третья (и последняя) часть: Allegr issimo или allegro vivace; быстрый и яростный
Сегодня в концертных оркестрах часто выступают более молодые музыканты. Меньшая группа инструментов называется концертино. В переводе с английского «концертино» буквально означает «маленький ансамбль».
Симфонические оркестры более продвинуты, так как музыканты сосредотачиваются на исполнении оригинального репертуара на более или менее профессиональном уровне.
Разрешено ли зрителям хлопать между движениями?
Традиционно публика хранит молчание в перерывах между движениями . Это своего рода негласное «правило».
Классические концерты всегда были чопорными и приличными. В раннюю классическую эпоху публика редко проявляла энтузиазм во время и после представления. Однако, как и сама музыка, концертный этикет со временем претерпел изменения.
Классические музыканты, такие как Моцарт, на самом деле наслаждались спонтанными аплодисментами между движениями, даже если это считалось «низкоклассным» и неприличным. Он также ожидал, что люди будут говорить во время его концертов. Он хотел, чтобы его публика была такой же живой, как и сам оркестр.
В первые годы существования концертов и симфоний было нанято профессиональных аплодисментов , называемых клаками . Зрителям разрешается хлопать только в том случае, если клаки хлопали.
Однако большинству музыкантов не нравится, когда их прерывают аплодисментами.
В первую очередь потому, что аплодисменты отвлекают исполнителей и нарушают единство произведения.
Сегодня хлопать в ладоши между движениями по-прежнему не принято. Хотя большинство дирижеров и исполнителей не возражают против этого, это по-прежнему считается неуместным. Итак, лучше всего оставить аплодисменты после завершения выступления .
10 музыкальных течений, изменивших историю
Сложность составления списка десяти лучших революционной музыки или музыкальных течений заключается в том, что многое из того, что современная западная цивилизация знает о революционной музыке, очень ограничено. История полна таких людей, как испанский священник Диего де Ланда, посвятивший свою жизнь уничтожению литературы и истории майя, или император Иовиан, уничтоживший все нехристианские тексты и музыкальные партитуры в Антиохийской библиотеке, или Чингисхан, разграбили и уничтожили библиотеки Ирана и Ирака. Следующее можно считать лишь неполным списком некоторых революционных техник, изменивших музыку в целом, а также некоторых революционных музыкальных приемов, изменивших мир.
800 г. н.э. — Англия, григорианское пение
Григорианское пение не может показаться революционной формой музыки, поскольку его история и использование почти неразрывно связаны с Римско-католической церковью — оно даже названо в честь папы Григория I, которому приписывают популяризацию этой формы. Однако, поскольку музыка была такой важной частью церковных служб, а западная цивилизация во многом находилась под влиянием того, что разрешалось и не разрешалось ранней церковью, вполне логично, что ее появление стало отправной точкой для многих музыкальных нововведений. и революции. ©Fotowan/Shutterstock.com Еще в те времена, когда все развлечения проводились в прямом эфире, одной из многих причин, по которой многие люди стекались на церковные службы, была развлекательная ценность — много труда и денег было вложено в строительство средневековых церквей. , в результате чего появились огромные красивые здания с потрясающей акустикой для хоровых выступлений. В 9 веке папа Григорий I начал собирать гимны из небольших деревенских церквей и отбирал лучшие для использования в стандартных церковных службах по всей Европе.
Поскольку в то время в церкви не пускали музыкальные инструменты, все собранные гимны исполнялись а капелла , обычно полностью мужской хор. В то время как большинство теоретиков музыки оспаривают идею о том, что папа Григорий I изобрел григорианские песнопения, хорошо известно, что этот человек был истинным любителем музыки и посвятил большую часть своей жизни поиску, сбору и представлению музыки в массы.
Отличительной чертой григорианского пения является то, что оно исполняется монофонически а капелла . В монофонической музыке одна музыкальная линия исполняется одним или несколькими голосами, без контрастной гармонии. Чем больше голосов вы объединяете в монофонию, тем громче получается музыка, а когда вы используете певцов с несколькими тонами, эта единственная линия приобретает большую глубину и резонанс. Короче говоря, он идеально подходит для акустики большого пустотелого интерьера готического собора.
Григорианские песнопения агрессивно пропагандировались Церковью, и особенно императором Священной Римской империи Карлом Великим, который, по-видимому, был большим поклонником этого стиля, требовал от духовенства исполнять григорианские песнопения только на своих богослужениях под страхом смерти.
К тому времени, когда в 885 году нашей эры к власти пришел папа Стефан V, григорианские песнопения распространились по всей Англии, Германии, Скандинавии, Исландии, Финляндии и восточно-католическим землям Польши, Моравии и Словакии.
Одним из наиболее важных побочных эффектов сбора гимнов в этих маленьких деревенских церквях стало осознание того, что не существует стандартизированного способа записи музыки, поэтому все песни, чтобы сохранить их для потомков, должны были быть записано с использованием какой-то универсальной системы. В конце концов, эти эксперименты с музыкальной транскрипцией привели к тому, что епископ Гвидо Д’Ареццо изобрел сольфеджио, которое стало первой универсально используемой (и понятной) системой нотной записи в постримской Европе.
1100 г. н.э. — органум/европейская полифония
Вскоре после изобретения и быстрого распространения сольфеджио композиторы — по-прежнему в основном элитные члены Римско-католической церкви — начали добавлять небольшие гармонические штрихи к мелодической линии григорианского пения.
Потому что, в то время как люди вполне могли петь эти гармонические росчерки самостоятельно, большинство певцов по нотам этого не делают, и когда эти певцы являются частью церковного хора 12 -го -го века, они уж точно не добавляйте эти вокальные штрихи сами по себе. Эти расцветки называются органумом, или полифонией, что просто означает музыкальное произведение, состоящее из более чем одной поющей части, в частности, мелодия плюс гармония. Некоторые из первых экспериментов с транскрибированным органумом были записаны самим Гвидо Д’Ареццо, что показывает, насколько он был уверен в своей новой системе универсальной транскрипции музыки. В ранней европейской полифонии использовалось несколько типов органа. Есть параллельный орган, в котором одни и те же ноты поются всеми участниками хора, но выражены в разных октавах. В свободном органуме верхний (самый высокий) и нижний (самый низкий) голоса хора могут различаться по тому, как они держат ноту, при этом сильная средняя часть хора несет мелодию.
В мелизматическом органуме Нотр-Дам нижний голос может отличаться от мелодии как по тону, так и по ритму, в то время как в мелизматическом органуме Сен-Марциал эти вариации выражены в верхнем голосе.
В контексте современной музыки это не кажется огромным скачком в композиционном стиле, но тот факт, что все эти крошечные росчерки теперь можно было записать на нотном листе, чтобы другие хоры воспроизвели почти в совершенстве, был, вероятно, огромный стимул для композиторов придумывать более интересную и сложную музыку. Также уместно, что примерно в то же время, когда Д’Ареццо представил свою систему сольфеджио, витражи были усовершенствованы, и церковь начала устанавливать огромные витражи в своих соборах, что сделало посещение вашей соседней церкви не только слуховым, но и визуальным событием.
1649 — Англия, Диггеры
Диггеры начинали как группа из пятнадцати протестантских фермеров и землевладельцев, которые решили создать свою собственную коммуну и изолировать себя от остальной части Англии, особенно от власти монархии и англиканской церкви.
Основанные квакерским активистом Джеррардом Уинстенли, диггеры (или Истинные левеллеры, как их еще иногда называют) верили в экономическое равенство и строгое нивелирование общественного порядка. Они считаются первым европейским социалистическим / анархистским сообществом после Римской империи, и хотя они были относительно небольшим сообществом групповых ферм, разбросанных по всей Англии, влияние их идей, и особенно их музыки, продолжалось на столетия дольше, чем они делал. В 1649 году землекопы разбили огороды на общинной земле в графстве Суррей и разместили в этом районе объявления о бесплатном мясе, напитках и одежде для всех, кто присоединится к их коммуне и поможет работать на общей земле. Их намерение состояло в том, чтобы привлечь достаточное количество граждан, которые присоединились бы к диггерам и внесли свои небольшие участки земли в дело, по которому вся территория стала бы частной коммунальной собственностью. Поскольку владение собственностью приравнивалось к власти, это сделало диггеров влиятельным политическим деятелем, поэтому вмешались местные власти и выгнали диггеров из Суррея.
В течение следующих нескольких лет небольшие общины диггеров появились в других частях Англии, но к 1651 году движение прекратилось, в основном из-за вмешательства правительства. Ушли, но не забыты — более 300 лет спустя ответвление труппы пантомимы Сан-Франциско, называющее себя диггерами, разбило лагерь в парке Золотые Ворота и раздавало бесплатную еду, бесплатную одежду и проповедовало прохожим о социализме, анархии и радости аграрного образа жизни.
Одним из удивительных наследий недолговечных диггеров является их гимн протеста, сочиненный Уинстенли, под названием «Песня диггеров». Этот гимн был перенесен квакерами в Новый Свет, где его переняли амиши, меннониты и другие аграрные религиозные группы, а позже и рабочие движения в США, Великобритании и Советском Союзе. Английский фолк-певец Леон Россельсон записал гимн под названием «You Noble Diggers All», а поп-группа Chumbawamba включила его в свой релиз 1988 года.0333 Английские повстанческие песни 1381-1914 гг.
17 век: Италия, опера
Несмотря на то, что сегодня опера преподносится как нечто, ценимое прежде всего элитарными потребителями музыки, когда она впервые появилась на сцене, она предназначалась для всех.
Подобно тому, как у древних греков был свой театр, у римлян был свой Колизей, а в елизаветинской Англии были свои пьесы, у итальянцев 17 века была своя опера. В то время как большинство оперных спектаклей первоначально представлялись в домах их покровителей, например, первая признанная итальянская опера, Дафна , которая впервые была показана частным образом в 1598 году в имении композитора Якопо Корси, — после первого исполнения эту оперу можно было увидеть и услышать, неоднократно исполнявшуюся в залах по всей Италии. Кукловоды часто основывали свои действия на популярных операх, воспроизводя живое сценическое представление в миниатюре к радости детей и взрослых. Единственным определяющим качеством оперы являются не костюмы, не декорации и не качество певцов, а то, что поется все представление, и если в представлении есть какие-то значимые речевые партии, то постановка считается музыкальным театром. Несмотря на то, что опера предназначалась для массового потребления, это не означает, что изобретатели оперы, особенно итальянской оперы, не имели невероятно возвышенных устремлений к своим произведениям.
Первоначальная цель итальянской оперы состояла в том, чтобы объединить сложную поэзию с такой же сложной музыкой, чтобы передать сюжетную линию так, чтобы в итоге вы получили синтез всех популярных жанров развлечения. Таким образом, опера действительно предназначалась для всех — поклонников прекрасной музыки, поклонников великой литературы и поклонников красивых декораций и костюмов. Нет никаких правил относительно того, какая музыка должна быть в опере, поэтому ее основная форма сохранилась на протяжении сотен лет и эволюционировала, чтобы создавать зрелищные рок-оперы, такие как «Иисус Христос — суперзвезда», и комические оперы, такие как «Микадо». (и его экранизация, наполненная лаунж-музыкой, «Крутой Микадо»).
1789-1799: Французская революция
Многие считают Французскую революцию рождением современной песни протеста, поскольку были представлены песни, которые можно было легко выучить и адаптировать к любым событиям. В этих песнях легко менялись имена собственные, а также конкретные события и географические названия.
Они сделали идеальную маршевую песню для толпы революционеров.Возможно, самой известной из этих песен является «Карманьола» 1792 года, которая сейчас считается официальной песней Французской революции. Имя оригинального композитора было утеряно, но мелодия, часто сопровождаемая дикими танцами, распространилась, как лесной пожар, среди французских крестьян. Во время революции песня превратилась в боевой клич в битве при Жемаппе в 179 г.2 вместе с другой популярной песней «Марсельеза». В том же году тысячи крестьян штурмовали парижский дворец Тюильри, распевая «Карманьолу» («Иди, Людовик, большая плакса/из храма в башню»), вынуждая Людовика XVI и его супругов бежать из дворца.
После революции «Марсельеза» стала Национальным гимном Франции, часто исполняемым вместе с «Карманьолой».
1913 — Атональная музыка и «Весна священная» Игоря Стравинского
Атональная музыка — это музыка без тонального центра, что просто означает, что она не установлена ни в какой тональности.
Арнольд Шенберг, Бела Барток, Игорь Стравинский и Леон Киршнер являются одними из наиболее известных композиторов классической атональной музыки, в то время как джазовые музыканты, такие как Дюк Эллингтон и Эрик Долфи, сочинили множество произведений в стиле фри-джаз без тонального центра. Однако в начале 20-го века мейнстримная классическая аудитория почти не имела контакта с атональными композициями. Барток, который сейчас считается влиятельным атональным композитором, в период своего расцвета был более известен тем, что искал и воспроизводил восточноевропейскую народную музыку, и большинство его атональных композиций слышали только люди, которые активно их искали. Шенберг был еще одним атональным композитором, считавшимся сейчас очень влиятельным, но в то время, когда он был профессором Второй венской музыкальной школы, большая часть его работ в области атональности считалась скорее академическим упражнением, чем попыткой создать музыку для масс. На самом деле заявленная цель сочинения атональной музыки Второй венской школой заключалась в борьбе с кажущимся «кризисом тональности» в основной музыке.
Атональная музыка разжигалась на темных андеграундных музыкальных сценах университетов и галерей в течение нескольких десятилетий к тому времени, когда Игорь Стравинский представил ее публике, и без того взволнованной началом Первой мировой войны, на парижской премьере своего самого известного оркестра в 1913 году. Произведение «Весна священная». Известно, что выступление привело к жестоким столкновениям между высшим классом, который пришел, ожидая услышать красивую, доступную музыку, и «богемной» группой, которая любила все и все новое, потому что они так ненавидели статус-кво.
«Музыка всегда идет к ноте рядом с той, которую вы ожидаете», — написал один раздраженный критик ночи. Неоднократно комментировалось также необычное использование фаготов для пронзительной вступительной части мелодии, равно как и «агрессивные» пульсирующие ритмы, которые, по-видимому, вдохновили человека, сидевшего прямо позади музыкального критика Карла Ван Вехтена, на то, чтобы в такт отбивать отмеченную музыку.
голова журналиста. Хотя последующие исполнения «Весны священной» не привели к беспорядкам, как это произошло на премьере, публика по-прежнему встревожена, встревожена и очарована композицией, в том числе поколения детей, которые навсегда приравняют оркестровую композицию к мирным травоядным динозаврам, которых терроризируют мирные травоядные динозавры. мародерствующий Тираннозавр Рекс в Диснеевской Фантазии.
Как в Европе, так и в Латинской Америке музыка была неразрывно связана с революционной политикой и рабочим движением. Музыкантов часто сажали в тюрьмы, «исчезали», ссылали, пытали и откровенно убивали различные правые диктатуры за их музыку. Музыка чилийского автора песен Виктора Хара намного пережила своего композитора — во время переворота Пиночета в Чили Хара вместе с тысячами других протестующих был доставлен на стадион Чили, где его пытали и расстреляли. При Пиночете, nueva canción записи были конфискованы и уничтожены, а радиостанциям было запрещено воспроизводить музыку. Даже традиционные андские инструменты были запрещены в попытке полностью подавить музыку nueva canción . Этот период в чилийской истории известен как apagón Cultural — культурное затемнение.
Однако, как неоднократно показывала история, политическое вмешательство и подавление не всегда уничтожают песню или идею. Через сорок лет после первой записи песня чилийского автора песен Виолетты Пара «Gracias a la Vida» («Благодаря жизни») обрела новую жизнь в качестве гимна украинской оранжевой революции на другом конце планеты.
Между тем, аргентинский певец Атауальпа Юпанки из политического изгнанника покинул свою родину в 1931 получил приглашение от французского правительства написать произведение, посвященное двухсотлетию Французской революции в 1989 году.
1960-е: Движение за гражданские права США
Пожалуй, нет песен протеста, более знакомых публике в США, чем песни Движения за гражданские права. Вероятно, это связано с тем, что большинство песен, которые теперь считаются официальным каноном гражданских прав, были превращены в стандарты некоторыми из лучших исполнителей блюза, джаза и народной музыки 20 903 46 903 47 века. Хотя песня Билли Холидей «Strange Fruit» о линчевании предшествовала самому Движению за гражданские права, многие считают ее официальной песней движения. Несмотря на то, что сингл был запрещен к показу в эфире во время его выпуска в 1939 году, это была такая потрясающая, мощная песня, что до сих пор было продано более миллиона копий. В 1965 году Нина Симон записала свою мощную и суровую версию песни, из-за чего некоторые музыкальные критики сразу же назвали ее «Песней века».
Мрачная, угрюмая джазовая пьеса Джона Колтрейна «Алабама» была написана после того, как он услышал о четырех маленьких девочках, погибших в результате взрыва церкви в Бирмингеме, штат Алабама, и, возможно, это одна из немногих узнаваемых песен протеста без слов.
И наоборот, еще одной песней, иллюстрирующей Движение за гражданские права, была очень радостная песня Кертиса Мэйфилда «People Get Ready», которая несла основной посыл о том, что хорошие времена уже не за горами, так что вам лучше подготовиться к ним. Также на эту тему была песня Сэма Кука «A Change Is Gonna Come», якобы вдохновленная его собственным опытом выступлений на площадках только для белых по всей Америке. Эти чувства также отражены в лирике контркультурного гимна фолк-певца Боба Дилана «The Times They Are A-Changin’». Но, возможно, ни одна песня не сказала об этом лучше, громче или смелее, чем у открытого общественного деятеля и самопровозглашенного лидера афроамериканского движения Джеймса Брауна. Браун написал «Say It Loud, I’m Black and I’m Proud» во время поездки во Вьетнам, чтобы развлечь войска — эта песня стала гимном Движения за гражданские права во многих ее вариациях и по сей день.
1980-е: Эстония Поющая революция
Возможно, одной из самых удивительных революций последних лет была Эстонская поющая революция, которая достигла своей цели стать независимым от Советского Союза в основном ненасильственными, мирными средствами.Во время оккупации Россией, а затем Советским Союзом эстонцам веками запрещалось петь свои традиционные песни и даже говорить на своем языке. Однако вместо того, чтобы позволить своей родной культуре умереть под этой оккупацией, народ Эстонии тайно сохранял свои песни, литературу и язык до 1869 года., когда издатель Иоганн Вольдемар Яннсен организовал первый Праздник песни в рамках подпольного движения национального пробуждения Эстонии. В первом фестивале участвовало более 800 певцов, и все песни исполнялись на эстонском языке.
Российские власти не обратили особого внимания на фестиваль, возможно, потому, что в мирном фестивале участвовало слишком много людей, чтобы они могли как-то отреагировать, что не принесло бы им действительно плохой огласки.
Через несколько лет были организованы второй и третий фестивали, а к четвертому фестивалю в 189 г.1 в хорах участвовали и женщины. Через несколько лет после этого к нам присоединились сотни детей, и к тому времени никто уже ничего не мог сделать, чтобы помешать жителям Эстонии петь.
Хор продолжал неуклонно расти во время Первой и Второй мировых войн, пережив несколько ожесточенных и ужасающих пропагандистских кампаний Сталина, направленных против певцов и эстонского национализма в целом. Несмотря на угрозы ареста и тюремного заключения в новом СССР, от 20 000 до 30 000 певцов одновременно приходили, чтобы вызывающе петь эстонские народные песни каждый год, а остальная часть страны стекалась на ярмарочные площади, чтобы посмотреть и подпевать. Подняв над ними запрещенный эстонский флаг во время пения, выступления продолжали быть мирными и ненасильственными даже в самые тяжелые времена.
В 1988 году музыканты на Тартуском фестивале поп-музыки представили оригинальный материал, а также исполнили запрещенные традиционные песни, высвободив чувство национальной идентичности, которое увидело десятки тысяч зрителей, взявшихся за руки и поющих вместе.
На последующих фестивалях политики со всего мира приезжали, чтобы поддержать эстонское дело и стать свидетелями певческих фестивалей, особенно хоров, которые выросли до 10% населения Эстонии.
В 19В 91 г., после того как Конгресс и Верховный Совет Эстонии официально отменили советское законодательство и провозгласили Эстонию независимым государством, советские танки вошли в республику, чтобы подавить движение эстонского национализма. Советские танки специально нацелились на радиовышки, передавшие эстонскую музыку, чтобы поддержать население, и сотни эстонцев в ответ сформировали ненасильственный живой щит вокруг радиостанций, через который танки не могли проникнуть, не вызвав военного гнева остального мира. . В том же году новое российское руководство официально признало независимость Эстонии и других прибалтийских государств.
2010-2012: Арабская весна
Несмотря на то, что во многих арабских странах пение и танцы считаются постыдными, популярная музыка, особенно хип-хоп и рэп, процветала как андеграундное музыкальное движение.
В 1990-х арабские общины за пределами Ближнего Востока, особенно в Германии и Франции, даже открыли звукозаписывающие компании, специализирующиеся на турецкой, палестинской и тунисской рэп-музыке, с исполнителями, которые не звучали на радио в своих странах и были едва известны за пределами страны. их непосредственной фан-базы. Американский хип-хоп и рэп также контрабандой ввозили в арабские государства, где любители контрабандного жанра делали несколько копий для передачи друзьям. Многое изменилось с приходом Арабской весны, которая началась, когда протестующие в Тунисе свергли президента Зина эль-Абидина Бен Али. Практически за одну ночь аналогичные протесты возникли в Египте, Йемене и Марокко, большинство из которых были организованы молодыми мужчинами и женщинами, не имевшими права голоса в правительстве, состоящем из стареющих теократов. Одной из многих неоднократно поднимавшихся проблем была проблема цензуры искусства, музыки и молодежной культуры в целом, и в результате, возможно, самым неизгладимым впечатлением, которое внешний мир произвел на Арабскую весну, были сотни музыкальных концертов, которые вспыхнули спонтанно.